DEEP DIVE mit der Tanzkompanie St. Gallen

Wir starten ab Februar mit einem neuen Trainingsformat für Tanzpraxis in St. Gallen.

DEEP DIVE mit der Tanzkompanie St. Gallen

Wir starten ab Februar mit einem neuen Trainingsformat für Tanzpraxis in St. Gallen.

Am Sonntag, 07.06.2026 um 11 Uhr gibt das Laboratorium für Artenschutz Einblick in den Arbeitsprozess von DA.SEIN.

DEEP DIVE mit Anastasiia Lytvynenko

Wir starten ab Februar mit einem neuen Trainingsformat für Tanzpraxis in St. Gallen.
Das Angebot richtet sich an Semi-professionelle und professionelle Tänzer:innen und versteht Training als kontinuierliche, gemeinsame Praxis – jenseits von Produktion und Präsentation. Im Fokus stehen körperliche Arbeit, Austausch und Spass.

Das Format arbeitet mit wechselnden Inputs aus unterschiedlichen künstlerischen und körperlichen Zugängen und wird gemeinsam getragen von mehreren Akteur:innen der Tanzszene. Der POOL St. Gallen dient dabei als offener Trainingsraum und Anlaufstelle.

DEEP DIVE versteht sich als Einladung an die Tanzszene, regelmässige Praxis gemeinsam zu etablieren und neue Kontinuitäten zu erproben.

Kosten: CHF 5/10/15 - pay what you want
02.03.2026, 18:30

DEEP DIVE mit Maxime Jeannerat

Wir starten ab Februar mit einem neuen Trainingsformat für Tanzpraxis in St. Gallen.

DEEP DIVE mit Maxime Jeannerat

Wir starten ab Februar mit einem neuen Trainingsformat für Tanzpraxis in St. Gallen.

Ein Tanz, der sich weigert, zu schweigen. The Beast erkundet die Komplexität der Mutterschaft in ihren psychologischen, emotionalen und physischen Dimensionen. Es lehnt romantisierende Darstellungen ab und konfrontiert mit den unsichtbaren Opfern von Trauer, Angst und Selbstverlust, während es universelle Erfahrungen der Transformation reflektiert. The Beast ist das letzte Kapitel einer Trilogie, die auch Warning for Contemplation Sections (2022) und The Fabulous Ones (2024) umfasst. Das Projekt schafft eine Plattform für unterdrückte Stimmen und bereichert den zeitgenössischen Diskurs, indem es einen Aufruf zur Akzeptanz von Verletzlichkeit und Stärke formuliert.
Es ist nicht nur ein Stück, sondern ein Statement.

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Yugo: Eine Hymne an die weibliche Wut beleuchtet Identität aus feministischer Perspektive. Fragen nach dem verkörperten Erbe, nach gesellschaftspolitischen Dynamiken, nach Veränderungen der Identität – sowohl individuell als auch kollektiv – und nach der Ausdauer, die von weiblichen Körpern verlangt wird, durchziehen diese intensive, perkussive Reise. Der Begriff Yugo bezieht sich sowohl auf die damit verbundenen abwertenden Konnotationen als auch auf eine vielschichtige persönliche und kollektive Identität, die durch feministische Perspektiven auf die patriarchalischen Strukturen des postjugoslawischen Raums geprägt ist.

Das Stück beschäftigt sich mit Sehnsucht, Erbe und den Spannungen, die durch Entwurzelung entstehen, und hinterfragt, wie Identität im Laufe der Zeit zerbricht und neu verhandelt wird. Indem sie sich durch Geografien und kulturelle Wertesysteme bewegen, untersuchen die Künstlerinnen vererbte Reaktionen auf Unterdrückung und Gewalt und streben gleichzeitig danach, diese zu transformieren. Indem es nachzeichnet, wie das Politische und das Intime verkörpert werden, eröffnet Yugo einen Weg vom Schweigen zur Artikulation, von vererbter Gewalt zu kollektiver Handlungsfähigkeit, von Fragmentierung zur Rückeroberung des eigenen Körpers als Ort des Widerstands und der Entfaltung.

Yugo: an anthem of female rage explores identity through a feminist lens. Questions of embodied heritage, social-political dynamics, shifts in identity – both individual and collective – and the endurance required of female bodies permeate this intense, percussive journey. The term Yugo refers both to derogatory connotations attached to it, and to layered personal and collective identity shaped by feminist perspectives on the patriarchal structures of post-Yugoslavia.

The piece navigates longing, inheritance, and the friction that emerges through displacement, questioning how identity is fractured and renegotiated over time. Moving through geographies and cultural value systems, the artists investigate inherited responses to oppression and violence, while striving to transform them. Tracing how the political and the intimate are embodied, Yugo opens a path from silencing to articulation, from inherited violence to collective agency, from fragmentation to reclaiming one’s body as a site of resistance and unfolding.

DEEP DIVE mit Gisa Frank

Wir starten ab Februar mit einem neuen Trainingsformat für Tanzpraxis in St. Gallen.
Das Angebot richtet sich an Semi-professionelle und professionelle Tänzer:innen und versteht Training als kontinuierliche, gemeinsame Praxis – jenseits von Produktion und Präsentation. Im Fokus stehen körperliche Arbeit, Austausch und Spass.

Das Format arbeitet mit wechselnden Inputs aus unterschiedlichen künstlerischen und körperlichen Zugängen und wird gemeinsam getragen von mehreren Akteur:innen der Tanzszene. Der POOL St. Gallen dient dabei als offener Trainingsraum und Anlaufstelle.

DEEP DIVE versteht sich als Einladung an die Tanzszene, regelmässige Praxis gemeinsam zu etablieren und neue Kontinuitäten zu erproben.

Kosten: CHF 5/10/15 - pay what you want
05.05.2026, 17:30 Uhr

DEEP DIVE mit Gisa Frank

Wir starten ab Februar mit einem neuen Trainingsformat für Tanzpraxis in St. Gallen.
Das Angebot richtet sich an Semi-professionelle und professionelle Tänzer:innen und versteht Training als kontinuierliche, gemeinsame Praxis – jenseits von Produktion und Präsentation. Im Fokus stehen körperliche Arbeit, Austausch und Spass.

Das Format arbeitet mit wechselnden Inputs aus unterschiedlichen künstlerischen und körperlichen Zugängen und wird gemeinsam getragen von mehreren Akteur:innen der Tanzszene. Der POOL St. Gallen dient dabei als offener Trainingsraum und Anlaufstelle.

DEEP DIVE versteht sich als Einladung an die Tanzszene, regelmässige Praxis gemeinsam zu etablieren und neue Kontinuitäten zu erproben.

Kosten: CHF 5/10/15 - pay what you want
12.05.2026, 08:30 und 17:30 Uhr

Die KULTURKOSMONAUTEN sind ein mobiles Format von künstlerischen Workshops für Jugendliche, das in Zusammenarbeit mit verschiedenen Partnerinstitutionen umgesetzt wird (Berufsschulen, Lehrbetriebe, soziale Einrichtungen).

In zehntägigen Workshops setzen sich die Jugendlichen begleitet von einem Künstlertandem mit einem Thema, Text oder Theaterstück auseinander. Im Zentrum steht dabei der gemeinsame Prozess und das partizipative künstlerische Arbeiten. Am 9. Tag findet eine Präsentation statt. Am 10. Tag wird der Prozess gemeinsam reflektiert, der neu entdeckte «Planet» von den Jugendlichen benannt und im Planetarium auf dieser Website in Wort und Bild dokumentiert.

Im PLANETARIUM benennen und bebildern die jugendlichen Kulturkosmonauten den «Planeten», welchen sie auf ihrer künstlerischen Forschungsreise entdeckt und erkundet haben. Die Beiträge, kleine, persönliche Dokumentationen in Wort, Bild, Film oder Ton, können durch Anklicken der Planeten eingesehen werden.

Dies ist die Geschichte einer völlig verrückten Familie, die versucht, sich in der ganz normalen Welt zurecht zu finden. Oder ist es die Geschichte einer ganz normalen Familie, die versucht, sich in einer völlig verrückten Welt zurecht zu finden?

Kaum ist das Konzept unserer Stückproduktion geschrieben, verschärfen sich die Bestimmungen und verunmöglichen den Liveauftritt in der Grabenhalle im Januar 2021. Der Idee, die FAMILIE CHAOS zu erfinden, mit all ihren Macken, Querelen, Alltagsritualen und Träumen kennen zu lernen und in eine gemeinsame Mission zu schicken bleiben wir treu. Hingegen betrachten wir hier nicht die Personen in Liveszenen, sondern ihre zur Zeit verwaiste Behausung: In prall gefüllten Vorratsschränken, auf gestickten Kissen, im Fernsehprogramm, in bewegten Familienfotos, durch den Hometrainer, das Röhren eines Ghettoblasters und die Heftlisammlung manifestiert und dokumentiert sich das Leben dieser ganz normalen verrückten Familie, die sich so leidenschaftlich liebt wie nervt.

In Arbeitstagen zwischen 14. Dezember bis 4. Januar sammeln wir mit unserem multikulturellen Ensemble Bilder von essentiellen Einrichtungsgegenständen, wohnlichen Accessoires, Packungen des Lieblingsessens und anderer Gegenstände, die Leben erahnen lassen. Der Grafiker und Videofilmer Raoul Doré fügt diese digital zu einer Wohncollage zusammen, die animiert werden kann. Autorin Pamela Dürr schreibt mit den Teilnehmenden Texte von Sinnspruch über Gedichte und Rap bis zu Prosavisionen. Diese werden in der animierten Collage verortet, als Stickerei auf dem Kissen, Gedicht im Poesiealbum, Rap aus dem Ghettoblaster, Schlagergeträller aus der Dusche oder Voice over vor offenem Fenster. Schauspielerin Anna von Schrottenberg erarbeitet mit den Teilnehmenden TV-Programme von Nachrichtensprecher über Wetterberichte und Aerobictutorials bis Fernsehsoaps, in denen die Teilnehmenden selber spielen, sprechen und performen.

Über- und untereinander gelegt, ergeben diese verschiedenen Zeugen des Familienlebens eine visuell-akustische digitale Collage, welche die Besucher turbulentes Leben ahnen lässt, sie in ihren Bann zieht und intime Geheimnisse enthüllt …

Wir warten. Und wissen selbst nicht mehr, warum wir nur tatenlos hoffen, dass es besser wird. Warten.

JETZT. Jetzt müssen wir aufstehen, den vertrauten Raum verlassen - die Starre, die Stille, den Transit. Wir brauchen Visionen für die Zukunft. Denn wir wissen: so kann es nicht weitergehen. Was hält uns davon ab, konkret und radikal zu denken? Und zu handeln?

In NOW. wagen Figuren, scheinbar aus der Zeit gefallen, ihre Ideen und Visionen für die Welt von morgen zu skizzieren. Ausserhalb des bereits Bekannten und auf die Gefahr hin, als träumerisch und naiv gesehen zu werden.
Sie fragen sich: Was könnte geschehen? Sie überdenken Werte, sie teilen ihre Ideen, sie schärfen die Vorstellungen von dem, was sein könnte.

In Zeiten von Corona sind viele künstlerische Vermittlungsformate nicht in gleichem Masse möglich. Kklick hat reagiert und bringt statt einer Broschüre, Video-Kurzportraits von künstlerischen Formaten heraus, die stattfinden können. Die Aufnahmen finden im POOL statt.

Spielwütig und bereit für die ersten Versuche auf der Bühne? – Hier ist deine Chance. In den wöchentlichen Treffen stehen Spiel und Spass im Zentrum. Für Spannung sorgen Improvisationen und Theaterexperimente. Zu guter Letzt gibt’s eine Präsentation für Familie und Freunde.

Andrea stellt sich vor, auf dem Rücken eines Drachens über ihrem Dorf zu fliegen. Sie ist Anfang zwanzig, ihre Mutter hat die Familie vor zehn Jahren verlassen, der alkoholabhängige Vater bezieht Invalidenrente. Über solche Dinge wird zu Hause lieber geschwiegen, und Andrea erfährt am eigenen Leib: Wer über alte Geschichten nicht spricht, der wird sie auch nicht los. Für ihren Bruder Michl, der lieber Rockmusiker als ein dorfbekannter Schulversager wäre, denkt Andrea sich eine Fluchtgeschichte aus. Als sie ihren Vater und seine Schwägerin bei einem Annäherungsversuch erwischt, merkt sie: Michls Fluchtgeschichte muss auch ihre eigene werden. Zwei Tage später sitzen die Geschwister im Pick-up des Onkels und suchen das Weite.

Klug, dialogstark und mit vergnüglicher Fantasie lässt Simon Deckert uns eine Reise miterleben, die die Vergangenheit einholt und die Zukunft mit Händen greift. Ein überraschendes Debüt!

Die Soziale Gruppe sind Anne Munka (Leipzig) und Jan F. Kurth (Freiburg). Sie arbeiten mit den beiden akustischen Phänomenen, welche Menschen von jeher zu Kommunikation und Austausch dienen: Sprache und Musik. Wo da das Eine aufhört und das Andere anfängt kann die Zuhörerschaft selbst entscheiden, denn in der Sozialen Gruppe wird experimentiert, musiziert, poetisiert, dokumentiert, komponiert, interpretiert und improvisiert. Das Vokalduo verbindet zeitgenössische Stimmtechniken und Improvisationskonzepte mit Soundscapes und Klangcollagen zwischen Jazz und Neuer Musik.

Im Herbst 2019 wurde das Duo eingeladen im Rahmen von SWR2 Ars Acoustica ein Hörstück zu produzieren. Das entstandene Stück «Onomatonien» wurde im Radio sowie bei den ARD-Hörspieltagen im ZKM gezeigt und erscheint im September 2020 auf CD bei dem Leipziger Label «Viel Erfolg mit der Musik». Das Konzert ist die improvisatorische Liveumsetzung des Vokalzyklus, welcher dem Hörstück zugrunde liegt.

Gefördert vom Musikfonds e.V. mit Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien, der Exportförderung des Jazzverband Baden-Württemberg sowie dem Kulturamt Freiburg.

Andrea Vogel, Künstlerin aus St.Gallen, widmet sich während ihrer Residenz im POOL dem Thema SPANNUNG, das in physischer wie psychischer Art mit dem menschlichen Körper zu tun hat und in Form von Einwirken auf Materialien vorkommt. Der Raum wird mit Stretchtüll einbezogen und in Form einer Installation erforscht. Mit Körpereinsatz werden Formen von Spannungen ausprobiert und an ihre Grenzen getrieben.

spannen spannend gespannt angespannt abgespannt überspannt einspannen ausspannen vorspannen Vorspann Spann Spanne Spannung Spannkraft

Ortsunabhängig über den ganzen Globus hinweg künstlerisch zusammenarbeiten können – für die Kulturkosmonauten die spannendste Entdeckung während der Corona-Pandemie. Und diesen Aspekt wollen wir mit Euch zusammen noch weiter ausloten: Wie die aktuell laufende Marsmission bauen wir auf allen Kontinenten Spacemobile und schicken sie auf Erkundungsfahrt – Jedoch nicht auf einem fremden Planeten, sondern auf unserem eigenen! Hier sammeln wir Eindrücke, die uns bemerkenswert erscheinen, stellen Fragen, die uns beschäftigen und versuchen zu verstehen, wie diese unsere Welt funktioniert. Vielleicht finden wir auch Ansätze, wie sie das besser tun könnte?

Die Texte, Bilder, Filme, Sounds und Musik, die zusammenkommen, werden in einem Videoessay auf der Beamstation der Kulturkosmonauten und in den sozialen Medien veröffentlicht.

Being a kid again

Als Kind sind wir ein ungeschriebenes Blatt Papier, das mit jedem Tag, beschrieben und vervollständigt wird.
Wir lernen … spielerisch und ohne Vorurteile und Skepsis. Wir lernen durch Zusehen und Nachahmen.

Je älter wir werden, desto ernster wird unsere Welt und unser Umfeld. Vieles wird hinterfragt, Ängste und Gefahr kommt hinzu. Dinge die «keinen Sinn» machen oder sich «sowieso nicht lohnen» werden oft gar nicht erst angefangen und probiert. Spielerisch, ironisch, «Fehler» machen … nein! «So macht man das nicht, das darfst du nicht, wofür machst du das, albern nicht rum.» Aber warum denn nicht? Sollten wir nicht mehr Kind sein … die Welt mit Kinderaugen sehen?!

Wieder spielen … und völlig aufgehen, in dem, was wir tun. Voll und ganz in dem Moment sein und das was man tut, mit voller Überzeugung tun, so wie Kinder eben sind, wenn man sie beobachtet.

Tanz mit Kinderaugen sehen … Das Gelernte über Bord werfen. Einer Aufgabe ganz unvoreingenommen begegnen.

Einfach machen – nicht denken. Was passiert mit dem eigenen Bewegungsmaterial aber auch mit einem selbst, wenn mam sich selbst nicht so ernst nimmt? Wie setzte ich, mit diesem Ansatz, das Bewegungsmaterial eines Partners um? Was passiert mit der Gruppendynamik und der Bewegungsspache?

Die Tänzer Egon Gerber und Toschkin Schalnich wagen während der Residenz den Versuch, aus altbekannten Bewegungsmustern auszubrechen und ihre Kunstform neu zu denken.

Während ihrer Residenz im POOL wollen der Bratschist Jonathan Hagos und der Sprecher und Theaterpädagoge Tobias Stumpp gemeinsam in einem künstlerisch-forschenden Prozess am Zusammenspiel von klassischer Musik und gesprochenem Wort arbeiten. Können klassische Musik und Sprache in einen symbiotischen und erzählenden, hierarchiefreien Arbeitsprozess kommen? In verschiedenen Ansätzen und Herangehensweisen wollen die beiden untersuchen, wie sich beide Kunstformen gegenseitig inspirieren, beeinflussen und ergänzen können. Komposition, Improvisation, Bewegung, Körper und Theaterspiel können dabei zum Einsatz kommen. Inwiefern sich die verschiedenen Arbeitsweisen beider Bereiche verknüpfen lassen und worin der Prozess mündet, wollen die Akteure im Laufe ihrer einwöchigen Residenz in Erfahrung bringen.

Während der Residenz arbeitet der junge Tänzer und Choreograf Lucas del Rio an einem Kurztanzstück, das am Breakthrough Festival präsentiert wird. Er entwickelt dazu seine Master-Diplomarbeit des Master Dance – Choreography an der Zürcher Hochschule der Künste mit dem Titel «Search» weiter.

In seiner Arbeit experimentiert Tobias Spori mit unterschiedlichen Tanzstilen, Bewegungen aus dem Alltag, performativen Elementen und Objekten, die seine Choreografien mitgestalten. Er geht immer von den Menschen aus, mit denen er zusammenarbeitet, ihren Bewegungsqualitäten, Gedanken und Dingen, die entstehen, wenn sie auf das Team treffen. Ihn interessiert, was möglich ist, wenn unterschiedliche Stile, Haltungen, Energien zusammenkommen, sich mit einem Thema, einem Soundtrack, einem Raum beschäftigen und maximal kooperieren.

Der POOL gibt durch seine Klarheit, durch die Leere, durch die Lage im belebten Quartier genug Raum für die Personen, die ihn im arbeiten und bietet sich gleichzeitig als Mitspieler an. Ausgangspunkt während der Residenz sind die Momente von Verbindung/Berührung und Distanz/Getrenntsein. Durch die Corona-Pandemie haben beide Pole an Bedeutung gewonnen, durch das Nichtvorhandensein oder den erzwungen Zustand. Gemeinsam mit den Tänzer:innen möchte er herausfinden, welches Potential in beiden Polen steckt, wie sie, abseits von Pandemie und Lockdown an Sogwirkung und Poesie gewinnen können. Das mag sehr naheliegend erscheinen, ist aber sowohl für die Kunstform Tanz als auch ganz unmittelbar für unser gesellschaftliches Miteinander zentral. Ausserdem möchte er mit dieser klaren Form einen Rahmen schaffen, in dem alles passieren kann: von ruhigen Zuständen der Kooperation bis hin zu einer Kakaphonie, in der alles auf eine Karte gesetzt wird. So sind wir gewappnet für das, was kommen wird.

INIMA-Wie geht es Deinem Herzen?

Während einer Woche Residenz im POOL bringt die Schauspielerin Boglárka Horváth eine Gruppe Künstler:innen aus verschiedenen Genres und verschiedener Nationalitäten zusammen, um mit den Mitteln des Playbacktheater zu forschen. Sie tauchen in den Arbeitsprozess und in das Erforschen der Form des Playbacktheaters ein, lernen sich über Geschichten und ihre Tiefenstrukturen kennen, lassen sich anleiten von erfahrenen «Meistern» und finden sich als Team, das im Anschluss weiter zusammen künstlerisch arbeitet. Die Weiterentwicklung der Ausgansform durch den Einfluss der KünstlerInnen wird Teil des Prozesses sein, so dass das Team seine «hauseigene» Form findet, um die Geschichten zurückzuspielen.

Friend.Shift

Urban Dictionary: Ein Wort, das der Soziologe Jan Yager erfunden hat, um zu erklären, wie sich Freundschaften im Laufe des Lebens verändern. Farah & Olivia sind seit 18 Jahren eng befreundet. Immer verbunden durch den Tanz, beschreibt das Duo ihre Herausforderungen, Erfüllungen und Enttäuschungen in Bezug auf eine Freundschaft, die von tiefer Leidenschaft begleitet wird. Zwischenmenschliche Auseinandersetzungen, Veränderung und Entwicklung.

Auch toxische Beziehungen, in denen Sucht, Neid und Eifersucht eine große Rolle spielen, werden während der Residenz erforscht, ebenso wie die Bedeutung der heilenden Kraft von Hip-Hop und House Dance zur Erhaltung einer gesunden Freundschaft. Mit Hilfe von Interviews, Beratung durch Psychologen oder Soziologen und Lektüre sowie Bewegungsrecherche im Atelier soll das Thema Freundschaft breit beleuchtet werden.

Die Gründerinnen des Vereins Potpourri Farah Deen & Olivia Mitterhuemer sind seit über 10 Jahren Pionierinnen der weiblichen Hip-Hop- und House-Dance-Szene in Österreich und konnten ihre Arbeit auch über die Grenzen Österreichs und Europas hinaus verbreiten.

Objektperformance Experimente

Asi Föcker bewegt sich in ihrer künstlerischen Arbeit vorwiegend im Feld der Installation, Objektperformance, Musik und Fotografie. Während der Residenz im POOL experimentiert sie mit Licht, Luft, Bewegung, Raum und Klang. Sie geht von alltäglichen Gegenständen und Materialien aus und untersucht sie auf ihre Eigenschaften. Dabei steht der fragile, vorübergehende Zustand, der in der Bewegung und Stimmung von Objekten und Situationen entstehen kann im Zentrum der Forschung: das direkte und unmittelbare Aufzeigen von etwas Verborgenem. Für eine neue Performance mit Objekten, Bewegung und Distanzen nutzt sie die Grosszügigkeit und Klarheit der Räumlichkeiten des Pools.

SCREENS – A Portrait of a Busy Mind

Der Choreograf Marco Rizzi wird während der Residenz im POOL zusammen mit der Tänzerin Cecilia Castellari an einer Solo-Performance arbeiten, inspiriert von Studien und Forschungen über die Fähigkeit zum Multitasking und wie diese unseren Körper und Geist beeinflussen. Die Tänzerin lässt uns mit dem Gedächtnis von Geist und Körper auch darüber nachdenken , wie unsere Körper mit der Nutzung von Touchscreens verbunden sind und mit den Möglichkeiten der Technologie, die wir heutzutage haben.

Das Solo wird keine getanzte Gesellschaftskritik sein, sondern der individuelle Versuch, ein effizienter und produktiver Körper zu werden, getrieben von dem Bedürfnis produktiver Körper zu werden, getrieben von dem Bedürfnis nach Leistung und dem Wunsch, sich selbst in zwei Teile aufteilen zu können.

Von der Improvisation ausgehend, beginnen die beiden Künstler:innen ein Bewegungsvokabular zu erforschen, das sich auf die Gefühle von Erfolg und Misserfolg bezieht, wenn der Körper Multitasking anstrebt. Von einem Körper voller Energie zur Annäherung an die folgenden Fragen: Ist es auch ok, anzuhalten? Kann ich meinen Körper anhalten und nicht meinen Geist oder umgekehrt? Kann ich eine Aufgabe verlassen und sie später an dem Punkt wieder aufnehmen, an dem ich sie verlassen habe? Kann mir eine Art von Meditation helfen, den Schlüssel in all dem zu finden? Warum ist es mir nicht gelungen?

Die künstlerische Forschung soll auch das Nachdenken über die Akzeptanz des Scheiterns beinhalten …
Inspiriert davon, wie sehr wir heutzutage an die Nutzung von Touchscreens und Technologie gebunden sind, soll jede Oberfläche ein Touchscreen werden könnte. Der Boden, die Decke und die Wände sind Touchscreens, und warum nicht … vielleicht könnte auch unsere Haut ein Touchscreen werden …

Die KULTURKOSMONAUTEN sind ein mobiles Format von künstlerischen Workshops für Jugendliche, das in Zusammenarbeit mit verschiedenen Partnerinstitutionen umgesetzt wird (Berufsschulen, Lehrbetriebe, soziale Einrichtungen).
In zehntägigen Workshops setzen sich die Jugendlichen begleitet von einem Künstlertandem mit einem Thema, Text oder Theaterstück auseinander. Im Zentrum steht dabei der gemeinsame Prozess und das partizipative künstlerische Arbeiten. Am 9. Tag findet eine Präsentation statt. Am 10. Tag wird der Prozess gemeinsam reflektiert, der neu entdeckte «Planet» von den Jugendlichen benannt und im Planetarium auf dieser Website in Wort und Bild dokumentiert.
Im PLANETARIUM benennen und bebildern die jugendlichen Kulturkosmonauten den «Planeten», welchen sie auf ihrer künstlerischen Forschungsreise entdeckt und erkundet haben. Die Beiträge, kleine, persönliche Dokumentationen in Wort, Bild, Film oder Ton, können durch Anklicken der Planeten eingesehen werden.

Website

Wo hört der Körper auf und wo beginnt die Zeichnung? Wann wird eine Performance zum Film?

Der bildende Künstler Raoul Doré (Hamburg / St. Gallen) beschäftigt sich in seiner Arbeit mit Übergängen und Kollisionen.
Während seiner Residenz im POOL arbeitet er an einer neuen Performance und experimentiert mit Kameras, Lichtquellen, Video-Projektoren und Miniaturfiguren aus Papier.

Mit Teilnehmenden, Vertretenden von Institutionen, Förderung und Verein, dem Beirat, Künstler:innen und der Projektleitung der Kulturkosmonauten wollen wir Kultur-Stücke teilen, über aktuelle Entwicklungen inhaltlicher und organisatorischer Art informieren, Ideen diskutieren und uns beim gemeinsamen Apéro austauschen.

Unsere Idee ist, dass jede:r Teilnehmende ein Stück eigene Kultur mitbringt und anderen Teilnehmenden im Gespräch darüber berichtet. Das kann alles sein: Geschichten, Texte, Lieder, ein Gegenstand, etwas zum Essen, Kleidung... was immer für Euch Kultur ist und eine Bedeutung für Euch hat. In Form einer Human Library tauschen wir uns darüber aus und lernen Neues kennen.

Wo stößt die Sprache an ihre Grenzen? Das Projekt «Blindspots» ist eine Suche nach den blinden Flecken unserer Sprache. Das Kollektiv Schaflos erforscht mit Tanz, Spoken Word und Musik jene Situationen, die wir alle nur zu gut kennen, für die uns jedoch die passenden Wörter fehlen, um sie zu beschreiben.

Drei Performerinnen tauchen ein in das Wartezimmer unserer Gedanken und versuchen zu verstehen, was sich vor, nach und zwischen unseren gesprochenen Worten abspielt. Ein poetisches und zugleich humorvolles Abtasten der Körperlichkeit unserer Sprache und deren unausgesprochenen Gesetzten.

Während der Residenz im POOL beschäftigt sich das Kollektiv mit der Frage, wie Sprache in Verbindung zur menschlichen Innenwelt steht, und wie Bewegung unserer gemeinsamen Realität eine Gestalt geben kann.

Die Kulturkosmonauten laden alle jungen Menschen ein zum Projekt «wünschen&wundern» vom 20.12. bis 22.12. 2021 im POOL – Raum für Kultur, Dürrenmattstrasse 24, St.Gallen. Mit der Musikerin Carla Wierer, der Autorin Pamela Dürr und dem Tänzer Tobi Spori sammeln wir Musik, Sounds, Worte, verschiedene Sprachen und Bewegungen, die für uns mit dem Thema WÜNSCHEN zu tun haben. In den 3 intensiven Tagen wird ein Video entstehen, das uns ins neue Jahr begleiten wird.
Wir arbeiten nach euren Möglichkeiten tagsüber und auch abends. Es gibt Slots am Vormittag, Nachmittag und Abend, an denen man teilnehmen kann. Der Workshop ist kostenlos.
Anmeldung mit Angabe der zeitlichen Möglichkeiten oder Fragen an: info@kulturkosmonauten.ch

Kleingruppen, draussen, teils online, Video und spontan live: https://www.kulturkosmonauten.ch/#change
Dezentral, teils online, Green screen, Videocollage:
kulturkosmonauten.ch
Wenn schon online, dann gleich international! Und dazu live in Gruppen vor Ort:
kulturkosmonauten.ch
Und das war der erste Lockdown total...
kulturkosmonauten.ch

Wir finden kreative Lösungen!

Es Kamel im Zirkus ist ein Musik- und Tanztheaterstück von Cirque de Loin für ein junges Publikum ab 7 Jahren, in Koproduktion mit dem «jungspund» St.Gallen.
Erzählt wird die Geschichte vom Kamel, welches in der Wüste gefangen genommen, übers weite Meer nach Europa verschifft und dort an einen grossen Zirkus verkauft wird. Nach Jahren in der Fremde findet das Kamel aber die Kraft und den Mut zu fliehen. Begleitet vom Clown nimmt es zu Fuss den langen Rückweg in seine Heimat in Angriff. Das Abenteuer beginnt…
«Es Kamel im Zirkus» ist eine Geschichte über Jemanden, die oder der sein Zuhause verliert, Jahre in der Fremde lebt und nach einer langen Reise ihre oder seine Heimat letztendlich in sich selbst findet.
Das Ensemble setzt sich zusammen aus 3 Musiker*innen (Balafon/Percussion, Gitarre/Oud und Cello), einer Tänzerin und einem Singspieler. Sie alle erzählen, spielen, musizieren und tanzen gemeinsam die Geschichte des Kamels.

Während ihrer Residenz arbeiten Chris Pascal Eglund-Braun, Zoe Gyssler, Jordan Gigout an "The Show Must Go On" - ein tragisch-komisches Tanztheater über drei Performer:innen, die mit allen Mittel versuchen eine Schow zu retten, dabei aber kläglich scheitern.

Die Recherche basiert auf dem Thema Antiklimax: Wir bauen Spannungen und Erwartungen auf, die abrupt gestoppt werden, bevor die eigentliche energetische Freisetzung erfolgen kann. Wie entwickelt sich unser emotionaler und physischer Zustand? Und wie verändert es unsere Interaktionen untereinander?

Chris Pascal Eglund-Braun, Zoe Gyssler, Jordan Gigout sind drei Macher:innen/Performer:innen aus der Schweiz, Frankreich und Deutschland, die als Kollektiv zusammenarbeiten.

Was hat Zitrone mit Scham zu tun?
Die Tanzkompanie DOXS erforschte diese Frage gemeinsam mit der Spoken Word Künstlerin Lisa Weltzin. Die Idee zu «Zitrone» entstand durch eine Zusammenarbeit an einer Kurzstückplattform. Während der Residenz im POOL soll mit weiteren Kunstbereichen ein Austausch stattfinden. DOXS arbeitete bereits in vergangenen Produktionen mit dem Jazzschlagzeuger Janic Haller zusammen, genauso wie mit dem Szenografiker Tim Goossens. Durch die gemeinsame einwöchige Research sollen bereits von Beginn an alle kreativen Einflüsse in den Prozess integriert werden und die Zusammenhänge von Zitrone und Schamgefühl in den verschiedenen Genren untersucht werden.

"take a seat"
Es ist anonym, frei von jeder Konvention, bricht gerne mit den vorhersehbaren Klischees, drückt sich in einer abstrakten Handlung aus, gibt Rätsel auf und lädt zum Hinterfragen ein. Es berührt mehrere emotionale Ebenen, Zustände und Erfahrungen des persönlichen Lebensweg. Durch extreme, sinnliche und provokative Art, sowie zärtlich und intim. Abseits der Norm. Ist es ein Mann oder eine Frau? Ist es ein innerlicher Konflikte ? Soll es mich zum Lachen oder zum Weinen bringen ? „Nehmen Sie Platz“ und begeben sie sich auf eine Reise mit dem Wunsch nach emotionaler Verbindung, voller Geheimnisse, Stärke und Zerbrechlichkeit.

Die Kulturkosmonauten laden alle jungen Menschen ein zum Intensivwochenende «Musen für die Zukunft!» im POOL – Raum für Kultur, Dürrenmattstrasse 24, St.Gallen.

Mit der Choreografin Ann Katrin Cooper, der Autorin Pamela Dürr und dem Tänzer Tobi Spori sammeln wir Ideen, welche Musen uns für die Zukunft inspirieren und wie diese beschrieben und dargestellt werden könnten. In Werkstätten zu Styling, Bewegung, Text und Foto- und Videoshooting gestalten wir unsere eigenen Musen und stellen sie in den sozialen Medien vor!

Wir arbeiten:
am Samstag, 5. März von 14-20h (ein gemeinsames Essen ist Teil des Workshops)
am Sonntag, 6. März von 11-16h

Der Workshop ist kostenlos.

Anmeldung oder Fragen an: info@kulturkosmonauten.ch

Schliess Deine Augen und stell Dir vor: Wir sitzen zusammen an einem grossen Tisch. Wir lachen, schwelgen in Erinnerungen. Es duftet nach Meer. Alles ist richtig. Alles ergibt einen Sinn.  

42 lautet die Antwort des Supercomputers auf die Frage nach dem Sinn des Lebens in Douglas Adams Roman Per Anhalter durch die Galaxis. Eine vage Antwort – selbst nach einigen Millionen Jahren Rechenzeit. Finden wir mehr heraus? Wodurch wird das Leben sinnvoll? 42 Menschen haben mit uns ihre ganz persönlichen Antworten geteilt. Wir spielen sie weiter.  

Wild und poetisch, laut und leise, zwischen Dissonanz und Einklang bewegt sich das internationale Ensemble auf einem überdimensionalen Spielplatz, auf dem alles möglich ist und alles passieren kann.

Was ist wirklich wichtig? Wie nutzen wir die kurze Zeit, die uns auf dieser Welt bleibt? Wie machen wir einen Unterschied? Immer inständiger sind wir auf der Suche nach Antworten. Kein Wunder – nach allem, was wir in den letzten Monaten erlebt haben! Kein Wunder – angesichts aktueller Kriege und Zerstörungen! Kein Wunder – angesichts all der Erschütterungen, denen unser Leben ausgesetzt ist.

Denn stell Dir vor, wir wachen auf und alles war umsonst...

Camille Zany, born in 2001, finishes her studies at the Zurich University of the Arts with a bachelor of contemporary dance in June 2022. She has worked with many different styles and choreographers, suck as Nadav Zelner, Ihsan Rustem, Caroline Finn, Emanuele Soavi and many others. She is currently working this season at Tanzkompanie St. Gallen under the direction of Kinsun Chan. She’s incredibly fascinated by abstract storytelling; portraying a message that touches the audience, and makes them rethink the world around them.

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t. Ostschweiz lädt ein zur Fachtagung am Samstag, 2. April 2022 von 10 bis 16.15 Uhr, POOL - Raum für Kultur, St.Gallen. Anmelden bis 26. März 2022: ostschweiz@tpunkt.ch

Kultur & PR: Stell dir vor, es ist Theater und alle gehen hin

Inputs, Austausch und Vernetzung zu Publikumsentwicklung, Publikumspflege, Öffentlichkeitsarbeit, Kommunikation und Medien. Erarbeitung eines Leitfadens bzw. Katalogs mit Tipps, Dos und Don'ts.

Eingeladen sind alle Theaterschaffenden und Veranstaltenden mit Bezug zur Ostschweiz, egal ob t. Mitglied oder nicht.

Programm
ab 9.30 Eintreffen der Teilnehmenden, Kaffee und Gipfeli
10.00 Begrüssung, Eintauchen ins Thema: Speeddating und Konstellationen
11.00 Public Realation in der Kultur: Inputreferat
12.00 Gruppen: Austausch zu Unterthemen
12.30 Mittagspause
13.45 Weiter gehts
14.00 Erfahrungsberichte aus der Praxis (u.a. Theaterhaus Thurgau/Theater Bilitz, Stuhlfabrik Herisau, Theater St.Gallen)
14.30 Gruppen: Vertiefung und herauskristallisieren von Kernpunkten
15.15 Plenum: Vorstellen und Zusammentragen der Kernpunkte
15.45 Resümee und Ausblick
16.15 Verabschiedung und Feierabend bzw. Ausklang an der Theaterbar

Teilnahme-Kosten (inkl. Mittagessen und Zwischenverpflegung): t. Mitglieder CHF 30 | Nicht-Mitglieder CHF 40
Mit grosszügiger Unterstützung von t. Theaterschaffen Schweiz

Anmelden bis 26. März 2022: ostschweiz@tpunkt.ch

Im August 2023 sollen Stadt und Region St.Gallen ein neues Festival erhalten: PAULA – Interfestival für darstellende Künste. Ein Festival für die freie Szene, regional, national, international; für Theater, Tanz, Performance und zeitgenössischen Zirkus.

Neben Gastspielen regionaler, nationaler und internationaler Produktionen ist es uns ein grosses Anliegen, mit PAULA vor allem auch Plattform für darstellende Künstler:innen und Truppen der Region zu werden, Koproduktionen zu ermöglichen, das Wachsen der hiesigen freien Szene voranzutreiben, Möglichkeiten und Vernetzungen zu schaffen.

Im Sinne dieses Anliegens laden Michael Finger und Rebecca Schnyder als Initiant:innen und Co-Leitung von PAULA zu einem Soundingboard ein. Hierbei geht es einerseits darum, euch PAULA vorzustellen, aber auch darum, eure Stimmen ein- und Bedürfnisse abzuholen, Ideen zu hören, einen Austausch zu eröffnen.

Zuber extrahiert choreografische Ansätze seines Kurzstückes "Sit on it and spin!" und entwickelt diese weiter. Diese bestehen aus verschiedenen kodierten Bewegungen und Bewegungsabfolgen, welche den TänzerInnen eine Grundlage zur non-verbalen Kommunikation dienen. Das Ziel ist die Komposition in Echtzeit. Der Bewegungskodex beschränkt sich jedoch nicht nur auf die Funktion des Kommunkationswerkzeuges. Die Bewegungen müssen hinsichtlich Rythmus, Musikalität und Virtuosität uneingeschränkt kombinier- und ausführbar sein.

Auf der Suche nach der Bedeutung der Mutterliebe begegnen sich drei erwachsene Frauen. Gemeinsam versuchen sie die Verbindung zu ihrer Mutter zu begreifen und im tänzerischen Gespräch zu vertiefen. Dabei stellen sie sich essentielle Fragen. Was ist Mutterliebe? Wie definiert sich Mutterliebe? Wo finde ich Mutterliebe?

Der Verein gemischtes doppel – Verein für kreative Konzepte und Kultur besteht seit 2015.
Ziel und Vereinszweck ist es, hochstehende kulturelle Veranstaltungen zu konzipieren und durchzuführen und kreative Konzepte für die Vermittlung von Musik, Tanz und Performance, etc. zu verwirklichen. Dabei sollen Fachpersonen mit unterschiedlichen Kompetenzen, wie Künstler:innen, Bühnenbildner:innen, Techniker:innen, Produzent:innen und Pädagog:innen zusammengebracht werden, um ein bestmögliches künstlerisches Ergebnis für das Publikum, die Unterstützer und die Mitwirkenden zu erreichen. Der Verein verfolgt keine kommerziellen Zwecke und erstrebt keinen Gewinn. Die Organe sind ehrenamtlich tätig.

Die KULTURKOSMONAUTEN sind ein mobiles Format von künstlerischen Workshops für Jugendliche, das in Zusammenarbeit mit Partnerinstitutionen umgesetzt wird (siehe PROJEKTE).
Daneben werden freiwillige Trainings, Intensivworkshops und Kosmonauten-Kulturtreffen angeboten, kostenlos und für alle Interessierten offen (siehe AKTUELL).
Im PLANETARIUM benennen die jugendlichen Kulturkosmonauten den «Planeten», welchen sie auf ihrer künstlerischen Forschungsreise erkundet haben und erstellen kleine, persönliche Dokumentationen (einsehbar durch Anklicken der Planeten).

Warning for Contemplation Sections (Arbeitstitel) ist ein Akt des Widerstands, ein Aufruf zu einer stillen, rohen, lauernden und kontemplativen Form der Rebellion. Es ist ein Manifest gegen das "Feilschen ums Überleben". Das Tanzprojekt entspringt einer inneren Verweigerung gegenüber einer endlosen, erschöpfenden neo-liberalen Produktionslogik und den damit einhergehenden Ansprüchen, die wir in unserem Alltag und als Künstler*innen beständig erfüllen sollen.

Körper, Stille, Porträt, Wildnis, Kontemplation, Landschaft, Zusammenbruch. Ausgehend von diesen Begriffen wird ein intuitiver Kreations- und Schaffensprozess initiiert, wo- bei ich mittels Bewegungsrecherchen gemeinsam mit meinen Kollaborateur*innen erforsche, wohin uns diese Worte führen. Entstehen soll ein kraftvolles, herausforderndes und provokatives zeitgenössisches Tanzstück, das beruhigt, transzendiert und inspiriert.

Warning for Contemplation Sections fordert Zeit ein und propagiert das Recht auf (m)eine innere menschliche Wildheit.

In den Herbstferien 2022 wird, nach einer äusserst erfolgreichen Zusammenarbeit im Jahr 2022, erneut in Kooperation mit dem Bereich Theater der Pädagogischen Hochschule St.Gallen eine fünftägige Workshopwoche mit Studierenden der PH und Migrantinnen und Migranten öffentlich ausgeschrieben und in St.Gallen durchgeführt. Begleitet von Kristin Ludin (Theaterpädagogin, u.a. an der PHSG), Anna von Schrottenberg (Schauspielerin) und Tobias Spori (Tänzer) arbeiten die jungen Menschen in wechselnden Gruppen im Jugendkulturraum flon und dem POOL – Raum für Kultur St.Galle zum Thema "Begegnungen". In einer Präsentation für Gäste zeigen sie am 20. Oktober 19h die gemeinsamen Entdeckungen im flon St.Gallen. Am 21. Oktober findet ein gemeinsamer Abschluss mit Reflexion statt.

Im Zentrum steht dabei der gemeinsame Prozess und das partizipative künstlerische Arbeiten. Am 4.Tag findet eine öffentliche Präsentation statt und der Prozess wird gemeinsam reflektiert, der neu entdeckte «Planet» von den Jugendlichen benannt und im Planetarium auf der Website www.kulturkosmonauten.ch in Wort und Bild dokumentiert. Für die Jugendlichen bietet dieses Format die Möglichkeit, interkulturelle Zusammenarbeit zu praktizieren, ihre Auftrittskompetenzen zu stärken und auf spielerische Weise einen Zugang zu künstlerischem Schaffen zu erlangen.

Kollektiv Schaflos arbeitet weiter an ihrem aktuellen Tanzstück „if so whenever maybe after“, das im vergangenen April seine Premiere in Bern feierte. Nun wollen sie für kommende Vorstellungen im 2023 das Stück verlängern und weiter ausarbeiten.
Während ihrer Zeit im POOL beschäftigt sich das Kollektiv mit der Frage, wie Sprache in Verbindung zur menschlichen Innenwelt steht und wie Bewegung unserer gemeinsamen Realität eine Gestalt gibt.

Ziel des «Theatervarain» ist es, anspruchsvolles Theater zu produzieren und theaterbegeisterten Laien durch Mitwirkung von Profis in Regie, Ausstattung und Produktion Gelegenheit zum aktiven Theatererlebnis zu bieten.

Im Sommer 2013 fand in Hundwil zum Anlass 500 Jahre AR/AI das Festspiel «Der dreizehnte Ort» statt. Mitwirkende des damaligen Festspiels haben den Verein «Theatervarain» gegründet, um die erfolgreiche Zusammenarbeit zwischen AR/AI mit Theaterprojekten weiterzuführen und die Spielfreude von Laien zu pflegen. 2016 feierte der theatrale Rundgang «Checkpoint Säntis» im Berghotel Schwägalp und 2018 das Stück «Apéro Riche – Der Landesstreik oder wa no übrig isch devo» einen grossen Erfolg.

Im POOL proben sie an ihrer neuen Produktion, die im Sommer 2023 Premiere feiert

Welche Räume für eine professionelle, freie Theater- und Tanzszene brauchen wir? Welche Räume gibt es (nicht) und wie können gemeinsame Visionen entstehen?
Eine Podiumsdiskussion über konkrete neue Möglichkeiten und Herausforderungen mit Jan Henric Bogen (Konzert und Theater St.Gallen), Ann Katrin Cooper (IG Kultur Ost), Peter Olibet (Stadtparlament), Martin Sailer (Kantonsparlament) und Rebecca C. Schnyder (Dramatikerin und Produzentin).
Mit einer Eröffnungsrede von Stadtpräsidentin Maria Pappa.
Moderation: Judith Grosse.

ZUKUNFT KÖNNEN
Welche Fähigkeiten brauchen wir, um die Zukunft kreativ, mutig und mit Zuversicht anzugehen?
Gibt es Geschichten des Gelingens, Mythen oder neue Ideen, die uns dabei inspirieren können? Und wie können wir andere inspirieren?

Das Künstler:innentandem Vanessa Nebenführ und Tobias Stumpp arbeitet mit einer Klasse des Berufsvorbereitungsjahres zum Thema „Future Skills". Nach zehn Tagen Recherche- und Probearbeit präsentieren sie ihre Entdeckungen ihrem Publikum. Alle interessierten Freund:innen, Familien, Zukunftsforschenden, Kulturaffinen und Gegenwartsbefragenden sind herzlich willkommen!

Ziel des «Theatervarain» ist es, anspruchsvolles Theater zu produzieren und theaterbegeisterten Laien durch Mitwirkung von Profis in Regie, Ausstattung und Produktion Gelegenheit zum aktiven Theatererlebnis zu bieten.

Im Sommer 2013 fand in Hundwil zum Anlass 500 Jahre AR/AI das Festspiel «Der dreizehnte Ort» statt. Mitwirkende des damaligen Festspiels haben den Verein «Theatervarain» gegründet, um die erfolgreiche Zusammenarbeit zwischen AR/AI mit Theaterprojekten weiterzuführen und die Spielfreude von Laien zu pflegen. 2016 feierte der theatrale Rundgang «Checkpoint Säntis» im Berghotel Schwägalp und 2018 das Stück «Apéro Riche – Der Landesstreik oder wa no übrig isch devo» einen grossen Erfolg.

Im POOL proben sie an ihrer neuen Produktion, die im Sommer 2023 Premiere feiert

Mit dem Stück Zyklus (T)Räume möchten wir zur Enttabuisierung rund um das Thema Menstruation beitragen und uns gegen die Diffamierung der Periode einsetzen. Umfragen haben bestätigt, dass ein offener Umgang und Aufklärung zum Thema dazu beitragen, dass Frauen weniger Probleme mit ihrem Zyklus haben. Durch die öffentliche Thematisierung kann die Wichtigkeit des Themas dargestellt werden und so dazu beitragen, dass sich junge Frauen und Mädchen trauen können, zu ihrem weiblichen Zyklus zu stehen und so lernen mit ihm umzugehen, ohne ihn zu unterdrücken oder zu betäuben.

Im Workshop diskutieren wir, wie ein Haus der freien Szene in St.Gallen ausgestaltet sein sollte. Wir klären die Bedürfnisse der freien Szene und wie Sichtbarkeit erzeugt werden kann. Ziel eines freien Hauses ist ein lebendiger, partizipativ entwickelter Veranstaltungs- und Probebetrieb, der allen Interessierten zu niederschwelligen Bedingungen offensteht und möglichst breite Publikumskreise einbezieht. Das Programm erfüllt die Anforderungen an einen barriere- und diskriminierungsfreien Kulturbetrieb.
Es ist ein Beitrag zur Stärkung der kulturellen Teilhabe als Auftrag der kantonalen und städtischen Kulturförderung – und zum Abbau der Gräben zwischen etablierter», d.h. institutionell gefestigter Kultur und «freiem» Kulturschaffen.
Das freie Haus versteht sich als Ort der gesellschaftlichen Auseinandersetzung, des Austausches und der Zusammenarbeit. Kooperationen sind ein selbstverständlicher Teil der Arbeit.
Es ist Labor und Experimentierraum, Büro und Begegnungsraum, Premiere und Work in progress, Vernetzung unter Kulturschaffenden und Begegnung mit einem vielfältigen Publikum.

Der Workshop ist Teil einer Veranstaltungsreihe, die Bedürfnisse eruiert, Visionen spinnt, eine Trägerschaft gründet, konkrete Umsetzungen erarbeitet und Gesuche bei Stadt und Kanton stellt.

GESCHICHTEN VON HIER UND ANDERSWO I
Das Künstler:innentandem Eva Àdorjan (Regie und Schauspiel) und Tobias Spori (Bewegung und Choreografie) sucht mit dem Integrationsförderkurs des GBS Geschichten aus aller Welt und erkundet die Möglichkeiten, sie in Sprache, Bewegung und Szenen umzusetzen. Nach neun Tagen Recherche- und Probearbeit präsentieren sie ihre Entdeckungen ihrem Publikum. Alle interessierten Freund:innen, Familien, Kulturaffinen und Weltenbereisenden sind herzlich willkommen!

Ziel des «Theatervarain» ist es, anspruchsvolles Theater zu produzieren und theaterbegeisterten Laien durch Mitwirkung von Profis in Regie, Ausstattung und Produktion Gelegenheit zum aktiven Theatererlebnis zu bieten.

Im Sommer 2013 fand in Hundwil zum Anlass 500 Jahre AR/AI das Festspiel «Der dreizehnte Ort» statt. Mitwirkende des damaligen Festspiels haben den Verein «Theatervarain» gegründet, um die erfolgreiche Zusammenarbeit zwischen AR/AI mit Theaterprojekten weiterzuführen und die Spielfreude von Laien zu pflegen. 2016 feierte der theatrale Rundgang «Checkpoint Säntis» im Berghotel Schwägalp und 2018 das Stück «Apéro Riche – Der Landesstreik oder wa no übrig isch devo» einen grossen Erfolg.

Im POOL proben sie an ihrer neuen Produktion, die im Sommer 2023 Premiere feiert

GESCHICHTEN VON HIER UND ANDERSWO II
Das Künstler:innentandem Carla Wierer (Musik) und Erik Studte (Regie) sucht mit dem Integrationskurs des GBS Geschichten aus aller Welt und erkundet die Möglichkeiten, sie in Sprache, Klänge und Szenen umzusetzen. Nach zehn Tagen Recherche- und Probearbeit präsentieren sie ihre Entdeckungen ihrem Publikum. Alle interessierten Freund:innen, Familien, Kulturaffinen und Weltenbereisenden sind herzlich willkommen!

2023 führt KKlick zum zweiten Mal mit der PH St.Gallen eine Kulturwerkstatt durch.
Rund 90 zukünftige Sekundarschul-Lehrpersonen im 7. Semester (also ein Jahr vor Abschluss) sollen die Durchführung einer Kulturwerkstatt 1:1 erleben und sich im Anschluss mit dem/der Werkstattleitenden auch über den Inhalt und den Ablauf der Werkstatt selbst austauschen.

Turn On ist eine Zusammenarbeit des Kollektivs Pablo & Guy, das von der Choreografin/Performerin Soraya Leila Emery gegründet wurde, mit, Ivana Balabanova (MK/CH) und dem Klangkünstler Alessandro Olla (IT), die eine interdisziplinäre Brücke zwischen Bewegung, Klang, performativen Akten und multimedialen Technologien schlagen. Das Ziel der Forschung ist es, die unsichtbare und innere Erfahrung von Lust durch Technologien in Kombination mit performativen Werkzeugen (Bewegung, Stimme) und Klang zu übersetzen. Das Ergebnis ist eine einzigartige Transkription, eine hybride neue Form des Ausdrucks und der Kommunikation von Vergnügung.

Mit dem Stück Zyklus (T)Räume möchten wir zur Enttabuisierung rund um das Thema Menstruation beitragen und uns gegen die Diffamierung der Periode einsetzen. Umfragen haben bestätigt, dass ein offener Umgang und Aufklärung zum Thema dazu beitragen, dass Frauen weniger Probleme mit ihrem Zyklus haben. Durch die öffentliche Thematisierung kann die Wichtigkeit des Themas dargestellt werden und so dazu beitragen, dass sich junge Frauen und Mädchen trauen können, zu ihrem weiblichen Zyklus zu stehen und so lernen mit ihm umzugehen, ohne ihn zu unterdrücken oder zu betäuben.

Annika Schäfer und Tobias Stumpp wollen gemeinsam mit Jugendlichen in Workshops queere Utopien erforschen und mit ihnen herausfinden, welche Zukunft von Gesellschaft in uns stecken könnte und diese sichtbar machen. Die Workshops sollen mit Jugendlichen ab der 8. Klasse aus dem ländlichen Raum stattfinden. Aus den Begegnungen, Gesprächen und Geschichten, die durch die Zusammenarbeit mit den Jugendlichen entstehen, soll in Zukunft ein Ablauf für einen partizipativen Theaterabend für ein junges Publikum entwickelt werden.

St. Gallen braucht endlich ein spartenübergreifendes Kulturhaus! Wo bleibt das Haus für die freie Szene, das uns Stadt und Kanton St. Gallen versprochen haben?

Ein konkretes Gebäude stünde bereit: Der „Um!bau“, das Provisorium des Theaters St. Gallen auf dem Unteren Brühl.
7 Millionen hat es gekostet - und nun soll es abgerissen werden.

Dagegen wehren wir uns! Denn wir Freien stehen bereit, könnten schon morgen loslegen und das Gebäude mit Kultur aus allen Sparten beleben.

Am 11. Juni, zum Ende der Spielzeit im „Um!bau“, setzen wir mit einer Aktion vor Ort ein Zeichen.
Wir treffen uns um 17.30 Uhr vor dem Theaterprovisorium. (Dresscode: festlich-bunt, mit Gold- oder Silberelementen.)

UND: Jetzt unterschreiben unter www.kulturappell.ch!
Und am Sonntag, 11. Juni, 17.30 Uhr, zum Theaterprovisorium kommen!

Wir danken für eure Unterstützung,
igKultur Ost, ig tanz ost, t. Ostschweiz, POOL - Raum für Kultur und viele mehr

Am 16. August findet die Uraufführung von «Murgang» – ein Monolog für eine Frau im Rahmen des PAULA Interfestival St.Gallen, statt.
Die St.Galler Autorin Brigitte Schmid-Gugler hatte den Text für «Murgang» ursprünglich aufgrund der Ereignisse um den Mord an einem Lehrer verfasst. Das zweite Opfer jener Tragödie, die Tochter des Mörders, musste untertauchen und lebt heute mit einer falschen Identität. Die aktualisierte Fassung des Textes weitet die Thematik aus – hin zu menschlicher Vereinzelung, Rückzug, Identitätsverlust und Existenzängsten.
Nelly Büttikofer spielt/tanzt in dieser spartenübergreifenden Installation/Performance, inszeniert von der Regisseurin Sophie Stierle, die namenlose Frau.
Raum/Licht: Robi Voigt. Sound/Musik: Marc Jenny. Text: Brigitte Schmid-Gugler gelesen von Diana Dengler.

«Hybride» ist das Thema, dreizehn Studierende zeigen ihre fotografischen Arbeiten und ihre filmischen Inszenierungen. Nach drei Jahren Studium, welches die Studierenden berufsbegleitend absolviert haben, ist jetzt der Moment: sie präsentieren ihre Diplomarbeit einer externen Jury. Danach werden die Arbeiten in einer öffentlichen Ausstellung gezeigt. Spannende Ausarbeitungen und Ideen sind zu sehen, immer auch bezogen auf den Ausstellungsraum im Pool. Der Kontext des Raumes hat auch Bezug zur Wahrnehmung der Arbeiten, ein interessantes Projekt.

Der POOL– Raum für Kultur schreibt eine Residenzen im Zeitrau Juli 2023 für professionelle Künstler:innen, Kompanien und Kollektive aus den Bereichen Theater, Tanz, Performance, genreübergreifende Zusammenarbeiten und künstlerische Installationen aus.
Die Residenzen ermöglichen den Künstler:innen das Forschen an frei gewählten Themen oder Formen und konzentriertes künstlerisches Arbeiten an einem inspirierenden Ort.

Die Residenz enthält folgende Leistungen
– Tanzstudio/Besprechungsraum, Küche (180 m2 lichtdurchflutetes Studio und Küche mit Sitzgelegenheiten)
– Infrastruktur (Sound, Licht, Tanzteppich) stehen den Künstler:innen zu den Betriebszeiten zur Verfügung
– Öffentlichkeitsarbeit durch den POOL; Präsenz auf der Website www.derpool.ch
– Finanzieller Zuschuss an Unterhalts- und Reisekosten (individuell besprochen gemäss Residenzdauer und Produktionskosten)

Uns ist es ein Anliegen, die Bewerbung so einfach wie möglich zu gestalten. Wir prüfen die Bewerbungen laufend.

Bitte sendet uns folgende Unterlagen per Email an info@derpool.ch
– Tabellarischer Lebenslauf, der das künstlerische Schaffen der letzten Jahre zeigt inkl. Links zu Videos der wichtigsten Arbeiten
– Angaben zur Person, Kontaktangaben, Nationalität
– Anzahl der beteiligten Personen
– Bitte beschreibt in wenigen Sätzen, an was ihr während der Residenz arbeiten wollt

Wir freuen uns auf Euch!
Herzlich
Das Pool-Team

Im August 2023 findet erstmals das Paula Interfestival statt. Nebst dem öffentlichen Programm veranstaltet Paula während den zehn Interfestival-Tagen das «Laboratoire Paul». Dabei laden wir freischaffende Bühnenkünstler:innen ein – gemeinsam mit drei israelischen Artists in Residence – zu trainieren, zu improvisieren und in verschiedenen Try-Out Formaten am Festival selbst auch aufzutreten.
Mit dem «Laboratoire Paul» will Paula regionale Akteur:innen der freien Szene auf bewegte Art und Weise zusammenbringen. Dabei geht es um die gegenseitige Inspiration, den Austausch, die Weiterbildung und die «erlebbare» Vernetzung von freischaffenden Bühnenkünstler:innen in den Bereichen Tanz, Zirkus, Theater und Performance. Ziel ist dabei auch, ein gemeinsames Verständnis und eine Identität innerhalb der «freien Szene Ostschweiz» zu etablieren.
Die Home-Base des Laboratoire Paul wird der Pool – Raum für Kultur sein. Die Festival-Spielstätten in der Lokremise, der Grabenhalle und das Zirkuszelt auf der Kreuzbleiche stehen tagsüber ebenfalls als Trainings-, Arbeits- und Spielorte zur Verfügung.

Das Jugendsinfonieorchester und die Organisationen Demenz Liechtenstein und Alzheimer St.Gallen/beider Appenzell planen eine Kooperationen. Heute besprechen sie, wie diese ablaufen könnte.

Mehr Informationen

Jugendsinfonieorchester St.Gallen
Demenz Liechtenstein
Alzheimer St.Gallen/beider Appenzell

Der POOL– Raum für Kultur schreibt im Zeitraum vom 1. September bis 31. Dezember 2023 ein- bis dreiwöchige Residenzen für professionelle Künstler:innen, Kompanien und Kollektive aus den Bereichen Theater, Tanz, Performance, genreübergreifende Zusammenarbeiten und künstlerische Installationen aus.
Die Residenzen ermöglichen den Künstler:innen das Forschen an frei gewählten Themen oder Formen und konzentriertes künstlerisches Arbeiten an einem inspirierenden Ort.

Die Residenz enthält folgende Leistungen
– (Tanz)Studio/Besprechungsraum, Küche (180 m2 lichtdurchflutetes Studio und Küche mit Sitzgelegenheiten)
– Infrastruktur (Sound, Licht, Tanzteppich) stehen den Künstler:innen zu den Betriebszeiten zur Verfügung
– Öffentlichkeitsarbeit durch den POOL; Präsenz auf der Website www.derpool.ch
– Finanzieller Zuschuss an Unterhalts- und Reisekosten (individuell besprochen gemäss Residenzdauer und Produktionskosten)

Uns ist es ein Anliegen, die Bewerbung so einfach wie möglich zu gestalten. Wir prüfen die Bewerbungen laufend.

Bitte sendet uns folgende Unterlagen per Email an info@derpool.ch
– Tabellarischer Lebenslauf, der das künstlerische Schaffen der letzten Jahre zeigt inkl. Links zu Videos der wichtigsten Arbeiten
– Angaben zur Person, Kontaktangaben, Nationalität
– Anzahl der beteiligten Personen
– Bitte beschreibt in wenigen Sätzen, an was ihr während der Residenz arbeiten wollt

Wir freuen uns auf Euch!
Herzlich
Das Pool-Team

Elenita Queiroz arbeitet an ihrer Forschung im Bereich des zeitgenössischen Tanzes, die die Entwicklung eines Computerprogramms (App) umfasst, das Audiodateien zusammenstellt, organisiert und abspielt. Die Audiodateien basieren auf einfachen Bewegungsanweisungen, die über ein Headset an den Performer gesendet werden. Das Ziel ist die Entfaltung der Körpersprache auf der Grundlage von Reaktionsweisen durch motorische Organisation und Interpretation der Anweisungen.
Sie sind durch drei Hauptelemente strukturiert: Dauer, Artikulation (oder Relation) und Spannung. Dieses Programm ist ein Werkzeug, das während der Proben eingesetzt wird.

Unter dem Arbeitstitel "Mama, schau mal" forscht die DanceCollaboration Stadler/Rottier/Kieffer zum Thema "Anerkennung". Sie erforschen das Bedürfnis, unseren persönlichen Wert als geliebtes, umsorgtes, menschliches Wesen zu definieren. Was tun wir, um von denen, die wir respektieren, anerkannt zu werden und welche Rolle Intimität und Nähe bei unserer Suche nach Zuneigung spielen.

Die DanceCollaboration Stalder/Rottier/Kiefer beschäftigen sich in ihrer Residenz mit dem Thema "Anerkennung". Sie erforschen das Bedürfnis, den persönlichen Wert als geliebtes, umsorgtes menschliches Wesen zu definieren. Sie schauen sich an, was wir tun, um von denen, die wir respektieren, anerkannt zu werden und welche Rolle Intimität und Nähe bei unserer Suche nach Zuneigung spielen.

Victor Rottier öffnet während seiner Residenz im POOL die Morning Class für alle interessierten Tänzerinnen und Tänzer.
Komm einfach vorbei!

Victor Rottier, geboren in den Niederlanden, erhielt seine Ausbildung an der Artez University of the Arts in Arnhem, Niederlande. Victor arbeitet derzeit als freiberuflicher Choreograf, Regisseur und Lehrer. Von 2013 bis 2014 war er Mitglied des Poetic Disasters Club mit Club Guy & Roni in Groningen, Niederlande. Von 2014 bis 2018 war Victor Vollzeit-Tänzer im Ensemble des Staatstheaters Kassel und trat in Stücken von Johannes Wieland, Hofesh Shechter, Maxime Doyle, Tom Weinberger und Helder Seabra auf. Er arbeitete als Probenleiter und choreografischer Assistent neben Johannes Wieland bis 2022. Seine letzten Stücke "Greywax 140" und "Sea of Cowards" feierten Anfang 2023 Premiere in Linz, Österreich, und Bern, Schweiz. Als Lehrer tourt er mit seinen Workshops "SLAM!" und "Callus & Analysis" durch zeitgenössische Tanzfestivals in Europa. Victor arbeitet eng mit Tanzschulen zusammen, um Workshops anzubieten, Stücke zu kreieren und ist als work field coach für Studenten im letzten Studienjahr an der Artez University of the Arts in den Niederlanden tätig.

«Supervistas» ist ein Vermitt­lungs­pro­jekt der Darstel­lenden Künste.
Die «Supervistas St.Gallen» treffen sich einmal in der Woche und erkunden gemeinsam die Tanz- und Theaterlandschaft der Stadt und ihrer Umgebung.
Es geht ums gemein­same Schauen, vor allem aber auch ums Disku­tieren, Austau­schen, Befragen – unter­ein­ander und mit den Theaterschaffenden.

Anmeldung und weitere Informationen: supervistas.ch

Mit ihrem Research "KID" möchten die Tänzerinnen die Aufmerksamkeit auf die aktuellen Probleme der mentalen Gesundheit lenken, ein Bewusstsein für die verlorene Verbindung zu uns selbst und unserem «inneren Kind» schaffen und sich durch ihr Schaffen für mehr Bewusstsein und Veränderungen in dem Bereich mentale Gesundheit einsetzen.
Gleichzeitig erforschen sie den Drang, ein dauerhaftes Gefühl der Euphorie und der Freiheit zu haben.
Sie setzen diesen Wunsch in Bewegung um und gehen der Frage nach, was uns im Leben eigentlich glücklich macht und wie wir durch Tanz Glück finden können.

Ein Körper. Mein Körper. Ein Raum. Handlungen in diesem Raum und in mir drin. Mein innerer Monolog, welcher die Notwendigkeit verspürt, sich zu artikulieren. Im Hier und Jetzt. Die kontinuierliche Suche nach mir selbst.
Meine autobiografische Solo-Arbeit An Act befasst sich mit Fragen nach Identität und Transformation. Darin erforsche ich meinen Körper als gleichzeitig konkret und fluide, gehe dem Gefühl von Besessenheit nach, zeige mich verletzlich und verspielt. Meine Handlungen führen zu einer performativen Dekonstruktion von festgelegten Kategorien. Eine konstante Suche. Unabgeschlossenheit. Mit An Act möchte ich ein Stück kreieren, welches einlädt, nicht(s) definieren möchte, und konfrontiert.
In meinem Kreationsprozess arbeite ich intuitiv, erforsche das Ausdruckspotenzial von Körper und Stimme. Innere Bilder und Erinnerungen inspirieren mich für die Erarbeitung von Charakteren/ Personas. Ich tauche ein in meine eigenen Fantasien und erprobe durch deren physische Umsetzung verschiedene Personas, ihre Geschichten und ihre Beziehung zur Aussenwelt. Dabei möchte ich die Grenzen eines weiten Spektrums erkunden. Ehrlich und fundiert.

Neil Höhener ist Tänzer und Choreograf aus Arbon (Thurgau). 2019 hat er einen Bachelor of Arts in zeitgenössischem Tanz an der Zürcher Hochschule der Künste Zürich absolviert. Als Tänzer engagiert war er national und international u.a. bei der Cie Marchepied, der Cie La Ronde und Club Guy and Roni, Poetic Disasters Club. Seine eigenen Kurzstücke wie das Solo White Room präsentierte er 2019 am Skopje Dance Fest und an der Eröffnung des Tanzhaus Zürich. Sein Solo take a seat wurde u.a. gezeigt am Internationalen Solo Tanz Theater Festival Stuttgart, InciDance Fribourg, Tanzfest Winterthur und am Solo Dance Festival Ankara. Sein Duo No Controles, das er gemeinsam mit Moira Lafosse entwickelt hat, wurde am Mixed Pickles # 12 im Roxy Birsfelden präsentiert und ist 2023/24 am Brücki 235 Festival, am Zürcher Theater Spektakel, dem Tanzfestival Winterthur und im Théâtre du Jura zu sehen. In seiner Arbeit interessiert Neil sich für die Themen Persönlichkeit, Identität und Absurdität.
2023/24 ist er Associated Artist vonTanzPlan Ost und entwickelt in diesem Rahmen sein autobiografisches Solo An Act (Arbeitstitel).

Die Transformation des Kulturbetriebs zu einer ökologische Nachhaltigkeit ist eine riesige Herausforderung. Dieser Workshop ist für kleinere und mittelgrosse Kulturbetriebe, welchen diesen Prozess nicht mehr weiter vor sich herschieben, sondern stattdessen ins Handlen kommen möchten. Die Workshop-Serie soll euch dabei unterstützen, ökologische Nachhaltigkeit in eurem Betrieb mit Hilfe des “Green Guides” von reflector anzugehen, Massnahmen zu entwickeln und umzusetzen.

Ziele

Nach dieser Workshop-Serie habt ihr:

• Euren Status Quo festgehalten und relevante Handlungsfelder bestimmt
• Ein Kernteam gebildet, das sich um das Thema ökologische Nachhaltigkeit kümmert
• Einen Aktionsplan erstellt und erste Massnahmen umgesetzt
• Die Grundlagen für einen guten (weiterführenden) Prozess gelegt
• Hindernisse und Lösungsansätze im Workshop diskutiert
• Ziele und deren Messbarkeit definiert
• Nächste Schritte über diesen Workshop hinaus festgelegt

Format

Der Mini-Prozess reflector (Nachhaltigkeit im Kulturbetrieb) richtet sich an kleinere und mittelgrosse Kulturbetriebe, bzw. deren Beteiligte/Mitarbeitende welche selbst über Handlungskompetenzen verfügen. Total können sechs Kulturbetriebe mit je 1 bis 3 Personen an der Workshop-Serie teilnehmen. Die Serie umfasst drei Workshops à ca. 3 Stunden sowie Hilfestellung für die Aufgaben zwischen den Workshops. Es sind keine Vorkenntnisse notwendig.

Kosten

Die Kosten für die Teilnahme am Mini-Prozess reflector sind noch abhängig von zusätzlicher Finanzierung. Sie werden pro Kulturbetrieb zwischen 1000.- und 1500.- liegen.

****Der POOL - Raum für Kultur unterstützt 1-2 Kulturinstitutionen/Ensembles aus dem Bereich Darstellende Kunst bei den Kosten für den Workshop. Meldet Euch bei uns!****

Termine und Ort

Die Workshops finden am 24. Oktober 23, 12. Dezember 23 und im Februar 24 statt im POOL - Raum für Kultur statt.

Weitere Infos & Anmeldung

info@ig-kultur-ost.ch

Marc Jenny - 079 377 25 41

An alle Künstlerinnen und Künstler in der Ostschweiz. Ihr seid eingeladen zu:
Weihnachtsfeier, Prosecco, Rückblick, Austausch, Pläne schmieden, Chäschüechli, Chillen, Ausklang.

«Supervistas» ist ein Vermitt­lungs­pro­jekt der Darstel­lenden Künste.
Die «Supervistas St.Gallen» treffen sich einmal in der Woche und erkunden gemeinsam die Tanz- und Theaterlandschaft der Stadt und ihrer Umgebung.
Es geht ums gemein­same Schauen, vor allem aber auch ums Disku­tieren, Austau­schen, Befragen – unter­ein­ander und mit den Theaterschaffenden.

Anmeldung und weitere Informationen: supervistas.ch

Mit zwei Trompeten, Horn, Posaune, Tuba und viel Leidenschaft für Musik: so präsentiert sich das Quintetto Inflagranti.

Vom inspirierenden Feu sacré wurde das Ensemble 1993 während der gemeinsamen Studienzeit an der Musikhochschule Zürich erfasst. Heute blickt das Ensemble auf eine langjährige, erfolgreiche Tätigkeit zurück und freut sich, in zahlreichen Konzerten und an Festivals in der Schweiz und im angrenzenden Ausland (z.B. in der Tonhalle Zürich, am Brass-Festival Sauerland Herbst, Wasserzeichen-Konzerte Sils oder in Netzeband bei Berlin) ein breites Publikum für die festliche und unterhaltende Blechbläserkammermusik begeistert zu haben. Auf dem Album «Sketches of Brass» ist ein Best of der vielseitigen musikalischen Inflagranti-Taten festgehalten.

Das Quintetto Inflagranti war zwei Mal Finalteilnehmer des Migros Kammermusikwettbewerbs und wurde eingeladen, im Rahmen des Europäischen Musikmonats 2001 eine Klanginstallation des Schweizer Komponisten Philippe Kocher uraufzuführen. Nebst abendfüllenden Konzerten für Veranstalter, wie die Murten Classics, Gotthard Festival Andermatt oder den Musiksommer am Zürichsee, Auftritten an speziellen Locations, vom Vierwaldstätterseedampfschiff über einen Fernsehgottesdienst im Zürcher Fraumünster bis hin zur Schlosszinne in Gerzensee, ist das Quintetto Inflagranti seit vielen Jahren fester Bestandteil von Diplomfeiern an der ETH Zürich und an hohen Festtagen gern gehörter Gast an kirchlichen Anlässen.

Der musikalische Bogen der fünf Profis spannt sich von Renaissance-Tänzen über musikalische Souvenirs der Klassik und Romantik bis zu jazzigen Rhythmen und bekannten Musical-Melodien. In ihrem Repertoire, welches zu einem grossen Teil selbst arrangierte Stücke enthält, befinden sich auch Werke, welche die reine Quintettbesetzung erweitern. So konzertieren sie häufig zusammen mit Orgel, Schlagzeug oder Sopran und sogar gemeinsam mit Streich- oder Blasorchester. Im Programm «Tänze, Tangos und Trompeten» wirbeln die Inflagrantis zusammen mit einem Tanzpaar der Rotes Velo Kompanie einen Konzertabend lang im Zeichen der Tanzmusik.

In der Adventszeit packen die fünf Blechbläser-Herren besonders gerne ihre glänzenden Instrumente aus und lassen damit die Augen und Ohren von Menschen aller Generationen und Kulturen funkeln. Sei es beim feinfühlig inszenierten Weihnachtskonzertabend «Single Bells!» zusammen mit ihren weiblichen Pendants, den Sängerinnen von «Die Melodiven». Oder wie 2018 im Zusammenspiel mit der Puppenspielerin Frida León Bèraud bei «Die chlii Zäller Wiehnacht», einer Adaption von Paul Burkhards Erfolgsstück unter der Regie von Alvaro Schoeck.

Ob im überschaubaren Rahmen eines Schulzimmers oder vor rund 650 Kindern im grossen Saal der Tonhalle St. Gallen: Mit den musikalisch-theatralischen Programmen «Zirkus Ottoni» und «Auf Abenteuer mit der Inflagranta» verbreiten die fünf passionierten Musiker den Brass-Virus auch beim jüngsten Publikum!

Wie entwickelt sich ein junges Unternehmen im Bereich Kultur? Welche Fragestellungen zeigen sich nach der ersten Aufbauphase und wie können sie beantwortet werden, um gestärkt und immer wirksamer in die Zukunft zu gehen.

DUST&RECUERDOS ist eine Erkundung unserer Erinnerungen - ein Labyrinth, in dem Überreste verweilen, nachdem wir verblasst sind. Es ist ein genauer Blick in die Vergangenheit und die Zukunft, der sich mit dem Anfang und dem Ende hypothetischer Existenzen und Erinnerungen beschäftigt und eine ungewisse und unbewusste Gegenwart erschafft. Diese Performance zeigt das Zusammenspiel geistiger Verirrungen inmitten von Verfall, Staub und Erinnerungen - eine universelle Sammlung, die aus der Angst vor dem Vergessen und Vergessenwerden geboren wurde. In einer Welt, in der uns die Gewissheit der Zeit entgleitet, ermutigt Dust&Recuerdos dazu, sich unserer vergänglichen Existenz bewusst zu werden. Manchmal, wenn wir uns der Welt widersetzen, hinterlassen wir Spuren. Im Angesicht der Sterblichkeit und des Verlusts der Schönheit ist die einzige Konstante die Akzeptanz des Wandels.

Ein Festival, ein Verein und ein Praxisprojekt, die alle eins miteinander verbindet: sie setzen sich auf unterschiedliche Art und Weise für die Belange der freien Szene in der Ostschweiz ein.
Beim 1. Vernetzungstreffen tauschen sie sich aus, klären Rollen und legen gemeinsame Handlungsfelder fest.

DUST&RECUERDOS ist eine Erkundung unserer Erinnerungen - ein Labyrinth, in dem Überreste verweilen, nachdem wir verblasst sind. Es ist ein genauer Blick in die Vergangenheit und die Zukunft, der sich mit dem Anfang und dem Ende hypothetischer Existenzen und Erinnerungen beschäftigt und eine ungewisse und unbewusste Gegenwart erschafft. Diese Performance zeigt das Zusammenspiel geistiger Verirrungen inmitten von Verfall, Staub und Erinnerungen - eine universelle Sammlung, die aus der Angst vor dem Vergessen und Vergessenwerden geboren wurde. In einer Welt, in der uns die Gewissheit der Zeit entgleitet, ermutigt Dust&Recuerdos dazu, sich unserer vergänglichen Existenz bewusst zu werden. Manchmal, wenn wir uns der Welt widersetzen, hinterlassen wir Spuren. Im Angesicht der Sterblichkeit und des Verlusts der Schönheit ist die einzige Konstante die Akzeptanz des Wandels.

Elenita Queiroz arbeitet an ihrer Forschung im Bereich des zeitgenössischen Tanzes, die die Entwicklung eines Computerprogramms (App) umfasst, das Audiodateien zusammenstellt, organisiert und abspielt. Die Audiodateien basieren auf einfachen Bewegungsanweisungen, die über ein Headset an den Performer gesendet werden. Das Ziel ist die Entfaltung der Körpersprache auf der Grundlage von Reaktionsweisen durch motorische Organisation und Interpretation der Anweisungen.
Sie sind durch drei Hauptelemente strukturiert: Dauer, Artikulation (oder Relation) und Spannung. Dieses Programm ist ein Werkzeug, das während der Proben eingesetzt wird.

Die in der Ostschweiz agierenden Verbände und Initiativen für die darstellenden Künste t. Ostschweiz, ig tanz Ost und der POOL - Raum für Kultur sowie die igKultur Ost, die sich für die Kultur im Allgemeinen einsetzt, treffen sich zum Austausch. Gemeinsame Strategien werden entwickelt, Kooperationen geplant und Veranstaltungen umgesetzt.

DUST&RECUERDOS ist eine Erkundung unserer Erinnerungen - ein Labyrinth, in dem Überreste verweilen, nachdem wir verblasst sind. Es ist ein genauer Blick in die Vergangenheit und die Zukunft, der sich mit dem Anfang und dem Ende hypothetischer Existenzen und Erinnerungen beschäftigt und eine ungewisse und unbewusste Gegenwart erschafft. Diese Performance zeigt das Zusammenspiel geistiger Verirrungen inmitten von Verfall, Staub und Erinnerungen - eine universelle Sammlung, die aus der Angst vor dem Vergessen und Vergessenwerden geboren wurde. In einer Welt, in der uns die Gewissheit der Zeit entgleitet, ermutigt Dust&Recuerdos dazu, sich unserer vergänglichen Existenz bewusst zu werden. Manchmal, wenn wir uns der Welt widersetzen, hinterlassen wir Spuren. Im Angesicht der Sterblichkeit und des Verlusts der Schönheit ist die einzige Konstante die Akzeptanz des Wandels.

Die freie Theater- und Tanzszene hat keinen Ort in der Stadt St.Gallen. Die freie Musikszene hat keinen Konzertsaal. Literatur, Performance, Jazz sind ohne festes Haus, ebenso Musikvereine. Gastspiele machen einen Bogen um die Stadt St.Gallen. Kurzum: Der Kulturstadt fehlen Kulturräume. Und das seit Jahrzehnten. Die ständige Raumsuche bremst Projekte aus, hemmt die Kreativität, verhindert Austausch, produziert Kosten. Jetzt reichts. St.Gallen braucht ein Kulturhaus.

Das Bedürfnis ist klar: St.Gallen hat eine vitale Tanz-, Theater-, Musik- und Performance-Szene.

Aber es fehlen Räume zum Proben, zum Entwickeln neuer Projekte und für Aufführungen. Nischen-Spielorte sind spannend, aber kein Ersatz. Erst ein Haus schafft Identität und Sichtbarkeit, es ermöglicht Proben, Begegnungen, Aufführungen und Gastspiele. Im Kulturkonzept 2020-28 der Stadt St.Gallen steht klipp und klar: St.Gallen realisiert ein «professionell geführtes Haus für die Freien». Nur: Passiert ist bisher nichts.

Der Verein DAS HAUS lädt ein, der POOL nimmt teil.

Feedback zu geben und zu erhalten ist oft gleichermassen schwierig. Egos und Hierarchien spielen oft eine Rolle, Kritik kann im schlimmsten Fall als „persönliche Meinung“ und als Angriff empfunden werden vor dem es sich zu schützen gilt. In diesem Workshop lernst Du eine Form des kollektiven, strukturierten Feedbacks kennen, die das Potential einer Projektidee - jenseits von Hierarchien und Befindlichkeiten - freilegt und unterstützt. So kann Feedback als wertvoll und konstruktiv wahrgenommen werden und produktiv für den weiteren künstlerischen Prozess genutzt werden.

Die 10 Module dieser Feedback Methode eignen sich vor allem für Inputs während des Arbeitsprozesses. Sie ist für interdisziplinäre Projekte entwickelt worden, lässt sich aber ebenfalls sehr gut auf Tanz- und Theaterprojekte anwenden.

Der Workshop beginnt mit der kurzen Einführung in die Methode und der Vorstellung der insgesamt 10 Module. Nach dem Showing eines ca. 20-minütigen Arbeitsstand eines Projektes, werden wir den Projektbeteiligten unter Anwendung der Methode Feedback geben.

Dauer des Workshops: 10-16.30 Uhr
Unkostenbeitrag: 30,- CHF
Anmeldung per Email: info@derpool.ch

Zur Workshopleiterin:
Lisa Stepf studierte Kulturwissenschaften und Ästhetische Praxis in Hildesheim, war Stipendiatin der Körber-Stiftung (Masterclass on Music Education) und des EU-Pilotprojekts SPACE für junge Kurator:innen. Sie lebt freischaffend in der Schweiz und arbeitet als Performerin, Cellistin, Kuratorin und Dozentin. Sie ist Teil des interdisziplinären Streichquartetts Quartett PLUS 1 und von der Theaterkompanie Flinn Works. Kuratorisch war sie u.a. für das Radialsystem V in Berlin tätig und entwickelt Neue Konzertformate in unterschiedlichen Kontexten, so u.a. für das Ensemble Resonanz, die Philharmonie Luxemburg und das Zürcher Kammerorchester. Als Dozentin für Neue Konzertformate unterrichtet sie an der Musikakademie Basel und an der Hochschule der Künste Bern im Studiengang "Music in Context“.

DUST&RECUERDOS ist eine Erkundung unserer Erinnerungen - ein Labyrinth, in dem Überreste verweilen, nachdem wir verblasst sind. Es ist ein genauer Blick in die Vergangenheit und die Zukunft, der sich mit dem Anfang und dem Ende hypothetischer Existenzen und Erinnerungen beschäftigt und eine ungewisse und unbewusste Gegenwart erschafft. Diese Performance zeigt das Zusammenspiel geistiger Verirrungen inmitten von Verfall, Staub und Erinnerungen - eine universelle Sammlung, die aus der Angst vor dem Vergessen und Vergessenwerden geboren wurde. In einer Welt, in der uns die Gewissheit der Zeit entgleitet, ermutigt Dust&Recuerdos dazu, sich unserer vergänglichen Existenz bewusst zu werden. Manchmal, wenn wir uns der Welt widersetzen, hinterlassen wir Spuren. Im Angesicht der Sterblichkeit und des Verlusts der Schönheit ist die einzige Konstante die Akzeptanz des Wandels.

Lass uns Wärme kreieren und den Winterblues abschütteln, in dem wir eine wärmende Yang Yogasession im POOL in
St. Gallen geniessen.
Anschliessend stärken wir uns mit Leckereien, damit du danach entspannt in den Sonntag eintauchen kannst. Schnapp dir deinen Best-Yoga-Buddy und let's flow together.

DUST&RECUERDOS ist eine Erkundung unserer Erinnerungen - ein Labyrinth, in dem Überreste verweilen, nachdem wir verblasst sind. Es ist ein genauer Blick in die Vergangenheit und die Zukunft, der sich mit dem Anfang und dem Ende hypothetischer Existenzen und Erinnerungen beschäftigt und eine ungewisse und unbewusste Gegenwart erschafft. Diese Performance zeigt das Zusammenspiel geistiger Verirrungen inmitten von Verfall, Staub und Erinnerungen - eine universelle Sammlung, die aus der Angst vor dem Vergessen und Vergessenwerden geboren wurde. In einer Welt, in der uns die Gewissheit der Zeit entgleitet, ermutigt Dust&Recuerdos dazu, sich unserer vergänglichen Existenz bewusst zu werden. Manchmal, wenn wir uns der Welt widersetzen, hinterlassen wir Spuren. Im Angesicht der Sterblichkeit und des Verlusts der Schönheit ist die einzige Konstante die Akzeptanz des Wandels.

Das Team der Produktion DUST & RECUERDOS arbeitet im POOL - Raum für Kultur.
Nach der Hälfte der Probezeit laden sie alle Interessierten zu einer offenen Probe ein, an der sie ihre Arbeitsweise nachvollziehbar machen, Ausschnitte aus ihrer Arbeit zeigen und sich auf Feedback und Austausch freuen.
Eintritt frei!

DUST&RECUERDOS ist eine Erkundung unserer Erinnerungen - ein Labyrinth, in dem Überreste verweilen, nachdem wir verblasst sind. Es ist ein genauer Blick in die Vergangenheit und die Zukunft, der sich mit dem Anfang und dem Ende hypothetischer Existenzen und Erinnerungen beschäftigt und eine ungewisse und unbewusste Gegenwart erschafft. Diese Performance zeigt das Zusammenspiel geistiger Verirrungen inmitten von Verfall, Staub und Erinnerungen - eine universelle Sammlung, die aus der Angst vor dem Vergessen und Vergessenwerden geboren wurde. In einer Welt, in der uns die Gewissheit der Zeit entgleitet, ermutigt Dust&Recuerdos dazu, sich unserer vergänglichen Existenz bewusst zu werden. Manchmal, wenn wir uns der Welt widersetzen, hinterlassen wir Spuren. Im Angesicht der Sterblichkeit und des Verlusts der Schönheit ist die einzige Konstante die Akzeptanz des Wandels.

DUST&RECUERDOS ist eine Erkundung unserer Erinnerungen - ein Labyrinth, in dem Überreste verweilen, nachdem wir verblasst sind. Es ist ein genauer Blick in die Vergangenheit und die Zukunft, der sich mit dem Anfang und dem Ende hypothetischer Existenzen und Erinnerungen beschäftigt und eine ungewisse und unbewusste Gegenwart erschafft. Diese Performance zeigt das Zusammenspiel geistiger Verirrungen inmitten von Verfall, Staub und Erinnerungen - eine universelle Sammlung, die aus der Angst vor dem Vergessen und Vergessenwerden geboren wurde. In einer Welt, in der uns die Gewissheit der Zeit entgleitet, ermutigt Dust&Recuerdos dazu, sich unserer vergänglichen Existenz bewusst zu werden. Manchmal, wenn wir uns der Welt widersetzen, hinterlassen wir Spuren. Im Angesicht der Sterblichkeit und des Verlusts der Schönheit ist die einzige Konstante die Akzeptanz des Wandels.

Die in der Ostschweiz agierenden Verbände und Initiativen für die darstellenden Künste t. Ostschweiz, ig tanz Ost und der POOL - Raum für Kultur sowie die igKultur Ost, die sich für die Kultur im Allgemeinen einsetzt, treffen sich zum regelmässigen Austausch. Gemeinsame Strategien werden entwickelt, Kooperationen geplant und Veranstaltungen umgesetzt.

Habt ihr Themen oder Anliegen? Dann schreibt uns an info@derpool.ch

Die Interessengemeinschaft setzt sich für die Belange und die Bedürfnisse der Kultur in der Ostschweiz ein und bietet Vernetzungs- und Beratungsleistungen an.

DUST&RECUERDOS ist eine Erkundung unserer Erinnerungen - ein Labyrinth, in dem Überreste verweilen, nachdem wir verblasst sind. Es ist ein genauer Blick in die Vergangenheit und die Zukunft, der sich mit dem Anfang und dem Ende hypothetischer Existenzen und Erinnerungen beschäftigt und eine ungewisse und unbewusste Gegenwart erschafft. Diese Performance zeigt das Zusammenspiel geistiger Verirrungen inmitten von Verfall, Staub und Erinnerungen - eine universelle Sammlung, die aus der Angst vor dem Vergessen und Vergessenwerden geboren wurde. In einer Welt, in der uns die Gewissheit der Zeit entgleitet, ermutigt Dust&Recuerdos dazu, sich unserer vergänglichen Existenz bewusst zu werden. Manchmal, wenn wir uns der Welt widersetzen, hinterlassen wir Spuren. Im Angesicht der Sterblichkeit und des Verlusts der Schönheit ist die einzige Konstante die Akzeptanz des Wandels.

Bei dieser lokalen Sonderausgabe des Tourismuscamps dreht sich alles um das Zusammenspiel von Kultur und Tourismus. Die beiden Branchen stehen in unterschiedlichen Traditionen, überschneiden sich aber in weiten Bereichen – wie lässt sich in St. Gallen so zusammenarbeiten, dass alle Beteiligten nicht nur davon profitieren, sondern auch voneinander lernen?
Wie tickt die Kulturwelt, was planen Kulturinstitutionen und wofür interessiert sich der Tourismus? Wie kann Kulturgut einerseits geschützt, andererseits Gästen zugänglich gemacht werden? Welche Angebote ermöglichen eine attraktive und authentische Vermittlung von Kultur? Das Ziel ist kurzum, dass sich Aktuer:innen aus Kultur und Tourismus im St. Galler Raum kennenlernen und austauschen. Wie können sie effektiv zusammenarbeiten und welche Strukturen braucht es dafür?

Der POOL - Raum für Kultur nimmt teil und bringt die Perspektive der darstellenden Künste ein.

Magst du den offenen Austausch in der Tourismusbranche und darüber hinaus? Wenn du gerne Fragen, Ideen und Projekte für die Zukunft diskutierst und einen unkomplizierten und erfrischenden Dialog mit anderen aus deiner Branche schätzt, dann bist du richtig!

Unser Ziel ist es, Menschen wie dich zu vernetzen, um gemeinsam von unterschiedlichen Perspektiven zu profitieren. Wir legen den Fokus auf pragmatischen Austausch und lassen dabei den Blick auch gerne über den Tellerrand schweifen.

Unser Tourismuscamp ist ein sogenanntes Barcamp, eine informelle, offene Konferenz, auch Unkonferenz genannt. Anders als bei traditionellen Konferenzen sind weder Speaker noch Ablaufplan vorab festgelegt. Stattdessen bringen die Teilnehmenden ihre Ideen für die Sessions selbst mit und legen zu Beginn des Camps gemeinsam das Programm fest. Jede und jeder kann also ein Thema präsentieren, eine Diskussionsrunde initiieren oder einen Workshop abhalten.

So werden Räume geschaffen für Themen, die dich bewegen. Am Tourismuscamp findest du übrigens nicht nur Inspiration und Antworten, sondern häufig auch ganz konkrete Arbeitsansätze.

Willkommen zu einer neuen Folge von BING BING BING, die beliebte Samstagabend-Show, die das zeigt, was sonst nur im Theater möglich ist: die Suche nach der Erlösung!
Wir befinden uns in einem Studio. Der Jingle ertönt und in die eingespielten Lacher hinein betritt ein Showmaster die Bühne. Heute ist seine tausendste Sendung. Es scheint, dass er nie aufgehört hat. Vermutlich ist er so sehr zum Räd- chen im Getriebe der überdrehten Kulturindustrie geworden, dass er nicht bemerkt, dass schon längst kein Mensch mehr im Studio sitzt. Vermutlich ist er schon lange tot. Die gegelte Frisur ist hart wie sein eingefrorenes Lächeln. Zu seiner Jubiläumssendung hat er sie alle eingeladen, seine Lieblinge, die im Verlauf der letzten Jahrzehnte in
seiner Show zu Besuch waren. Ein erlesener Kreis von Diven. Sie alle kehren aus dem Limbus zurück, denn heute erhalten sie ihre Chance auf Erlösung.
Runde für Runde, Spiel für Spiel lässt der Showmaster die Diven auftreten und sie in seiner Show gegeneinander antreten. Wer kann bestehen? Wer wird erlöst? Und wer wird in den kosmischen Äther zurückgeschickt?
Die Aufgaben sind tückisch, die Show überdreht: Marlene Dietrich tanzt auf dem Tisch und badet in neu kokettierten Rollen. Andy Warhol muss sich in moralischen Fragen messen. Maria Callas ver- sucht die schönste Sterbeszene zu erfinden und scheitert wieder und wieder. Madonna nimmt sich vor den Augen des Publikums auseinander wie Legosteine, um es von seiner Verehrung abzubringen, entfernt zuerst ihre Kontaktlinsen, dann ihr Kinn, ihre Wangen, ihre Brüste, ihre Pobacken und Kniescheiben, bis wir erkennen, dass sie trotz all ihres Glamours eine wandelnde Prothese ist.
Im Setting dieser absurden Show entdecken wir die Sehnsüchte und Geheimnisse der Diven. Wir kommen ihrer Aura auf die Spur und erleben ihre Verletzlichkeit. Wir folgen ihnen in ihre Geschichten und verlieren uns in ihren dunklen Geheimnissen.
Das Stück folgt der Dramaturgie einer Spielshow. Ob dies alles wirklich passiert oder der Showmaster die Diven nur in seiner Fantasie wieder aufleben lässt, schafft dramaturgisch die Möglichkeit für die Verwendung der Puppen. Er kann sie jederzeit hervorholen, lebendig werden und wieder verschwinden lassen.

Nach einem ca. 30minütigen Showing aus dem aktuellen Probenprozess GAME OVER PLAY FOREVER erhalten die Künstlerinnen und Künstler Feedback aus der Community.
Das Feedback folgt der DAS ARTS Feedback-Methode und stellt sich ganz in den Service der Produktion und der Künstlerinnen und Künstler.
Offen für Alle!
Anmeldung: info@derpool.ch

Während der Tage in POOL wird Maxime Jeannerat von der Compagnie la Méthode das zuletzt produzierte Werk überarbeiten: Anthro. Nach einer ersten Aufführungsserie im Juni 2023 in Neuchâtel tritt das Solo in seine zweite Phase ein, in der die Ideen erneut hinterfragt und ausgearbeitet werden, um dem Stück eine weitere Ebene zu geben, in die es eintauchen kann. Anthro wird am 4. und 5. Mai 2024 im Rahmen des Tanzfestes von Yverdon-les-bains und Vevey präsentiert.

Schnupperkurs, Flashmob auf dem Kornhausplatz oder Tanzperformance? Stell dir dein eigenes Programm zusammen.

Das Tanzfest St.Gallen als ein Highlight des kulturellen Geschehens der Ostschweiz findet dieses Jahr zum grossen Teil wieder unter freiem Himmel auf Plätzen und Strassen rund um den Bahnhof statt. Aber auch diverse Kulturhäuser wie das Flon, die Offene Kirche oder die Grabenhalle wird mit Tanz belebt.

Dank des grossen Engagements von Tanzpädagoginnen und Tanzpädagogen, Tanzschaffenden, Partnern und Förderern ist das Festival möglich. – HERZLICHEN DANK.

Bewegte Grüsse, Euer Tanzfestteam

Initiiert von der Ria & Arthur Dietschweiler Stiftung wird PAF - Performing Art Fund für darstellende Kunst (Theater, Tanz, Performance, spartenübergreifende Projekte, Vermittlungs- und Beteiligungsformate professioneller Künstler*innen und Ensembles ausserhalb von Schulen) in der Ostschweiz (Kantone St.Gallen, Ausserrhoden, Innerrhoden, Thurgau, Graubünden) gegründet. Konzipiert und verwaltet wird er vom Verein gemischtes doppel.

Der Performing Arts Fund wird erstmals im Sommer 2024 ausgeschrieben. Wir wollen mit den Förderfeldern, den Abläufen und der Begleitung durch die Jury oder andere Expertinnen und Experten Eure Arbeits- und Lebensrealitäten aufgreifen und Ermöglicherin sein.

Damit ihr die Unterstützung, die der Fonds bieten kann, möglichst gut versteht und die Gesuchseingabe Euch und Eurem Projekt dient, laden wir Euch zu einer Vorstellungsrunde ein. Wir haben uns für die digitale Variante entschieden, damit möglichst Vielen eine Teilnahme möglich ist.

Wenn Euch keiner der Termine passt, ihr aber Fragen habt, meldet Euch gern per Email bei uns.

Mittwoch, 5. Juni 2024, 12.30 - 13.30 per Zoom
Anmeldung hier. Wir senden Dir den Veranstaltungslink dann zu.

coming soon.

Die Studierenden haben Welten erschaffen, welche präzise in allen Details geplant wurden.
Sie übernahmen die Rolle von Regisseuren/Innen, Dramaturgen/innen und Produktionsleiter/innen.
Die Gesten der Protagonisten setzten Zeichen, deuten Emotionen an und beeinflussen durch ihre Körpersprache den Bildinhalt thematisch.
Die Herausforderung in der Inszenierten Fotografie besteht darin, sich auf dem schmalen Grat zwischen Inszenierung, Kontrolle und Authentizität zu bewegen.

Initiiert von der Ria & Arthur Dietschweiler Stiftung wird PAF - Performing Art Fund für darstellende Kunst (Theater, Tanz, Performance, spartenübergreifende Projekte, Vermittlungs- und Beteiligungsformate professioneller Künstler*innen und Ensembles ausserhalb von Schulen) in der Ostschweiz (Kantone St.Gallen, Ausserrhoden, Innerrhoden, Thurgau, Graubünden) gegründet. Konzipiert und verwaltet wird er vom Verein gemischtes doppel.

Der Performing Arts Fund wird erstmals im Sommer 2024 ausgeschrieben. Wir wollen mit den Förderfeldern, den Abläufen und der Begleitung durch die Jury oder andere Expertinnen und Experten Eure Arbeits- und Lebensrealitäten aufgreifen und Ermöglicherin sein.

Damit ihr die Unterstützung, die der Fonds bieten kann, möglichst gut versteht und die Gesuchseingabe Euch und Eurem Projekt dient, laden wir Euch zu einer Vorstellungsrunde ein. Wir haben uns für die digitale Variante entschieden, damit möglichst Vielen eine Teilnahme möglich ist.

Wenn Euch keiner der Termine passt, ihr aber Fragen habt, meldet Euch gern per Email bei uns.

Freitag, 5. Juli 2024, 17 - 18 Uhr per Zoom
Anmeldung hier. Wir senden Dir den Veranstaltungslink dann zu.

Ein Körper. Mein Körper. Ein Raum. Handlungen in diesem Raum und in mir drin. Mein innerer Monolog, welcher die Notwendigkeit verspürt, sich zu artikulieren. Im Hier und Jetzt. Die kontinuierliche Suche nach mir selbst.
Meine autobiografische Solo-Arbeit An Act befasst sich mit Fragen nach Identität und Transformation. Darin erforsche ich meinen Körper als gleichzeitig konkret und fluide, gehe dem Gefühl von Besessenheit nach, zeige mich verletzlich und verspielt. Meine Handlungen führen zu einer performativen Dekonstruktion von festgelegten Kategorien. Eine konstante Suche. Unabgeschlossenheit. Mit An Act möchte ich ein Stück kreieren, welches einlädt, nicht(s) definieren möchte, und konfrontiert.
In meinem Kreationsprozess arbeite ich intuitiv, erforsche das Ausdruckspotenzial von Körper und Stimme. Innere Bilder und Erinnerungen inspirieren mich für die Erarbeitung von Charakteren/ Personas. Ich tauche ein in meine eigenen Fantasien und erprobe durch deren physische Umsetzung verschiedene Personas, ihre Geschichten und ihre Beziehung zur Aussenwelt. Dabei möchte ich die Grenzen eines weiten Spektrums erkunden. Ehrlich und fundiert.

Neil Höhener ist Tänzer und Choreograf aus Arbon (Thurgau). 2019 hat er einen Bachelor of Arts in zeitgenössischem Tanz an der Zürcher Hochschule der Künste Zürich absolviert. Als Tänzer engagiert war er national und international u.a. bei der Cie Marchepied, der Cie La Ronde und Club Guy and Roni, Poetic Disasters Club. Seine eigenen Kurzstücke wie das Solo White Room präsentierte er 2019 am Skopje Dance Fest und an der Eröffnung des Tanzhaus Zürich. Sein Solo take a seat wurde u.a. gezeigt am Internationalen Solo Tanz Theater Festival Stuttgart, InciDance Fribourg, Tanzfest Winterthur und am Solo Dance Festival Ankara. Sein Duo No Controles, das er gemeinsam mit Moira Lafosse entwickelt hat, wurde am Mixed Pickles # 12 im Roxy Birsfelden präsentiert und ist 2023/24 am Brücki 235 Festival, am Zürcher Theater Spektakel, dem Tanzfestival Winterthur und im Théâtre du Jura zu sehen. In seiner Arbeit interessiert Neil sich für die Themen Persönlichkeit, Identität und Absurdität.
2023/24 ist er Associated Artist vonTanzPlan Ost und entwickelt in diesem Rahmen sein autobiografisches Solo An Act (Arbeitstitel).

Nach einem ca. 30minütigen Showing aus dem aktuellen Probenprozess erhalten die Künstlerinnen und Künstler Feedback aus der Community.
Das Feedback folgt der DAS ARTS Feedback-Methode und stellt sich ganz in den Service der Produktion und der Künstlerinnen und Künstler.

Offen für Alle! Teilnahme gratis
Anmeldung: info@derpool.ch

ChoreografenInnen und PerformernInnen soll es möglich sein, in Zusammenarbeit mit dem technischen Personal ihre Wünsche und Konzepte zu kommunizieren und umsetzen zu können. Im eintägigen Workshop vermitteln Patrik Rimann und Tina Bleuler fachspezifisches Basiswissen und Vokabular rund um Licht, Ton und Video. Sie präsentieren gestalterische Möglichkeiten in der Beleuchtung, zeigen auf, was für Scheinwerfer es gibt und wie diese eingesetzt werden können. Darüber hinaus werden Abläufe einer technischen Einrichtung eines Bühnenstückes sowie dessen Vorbereitung besprochen.

Dieser Workshop richtet sich an Theater-, Tanz- und Kulturschaffende und wird organisiert von TanzPlan Ost in Kooperation mit dem POOL – Raum für Kultur, St. Gallen.

In ihrem neuen Tanzstück «The Fabulous Ones» erforscht die Tänzerin und Choreografin Elenita Queiróz die Unzulänglichkeit des menschlichen Körpers und die Suche nach Autonomie inmitten der Mittelmässigkeit. In der prozessorientierten Entwicklung des Stücks wurde Elenita Queiróz vom Leben und Schaffen des Künstlers Miroslav Tichý inspiriert oder Werken wie dem Manifest «Feministisch Leben» von Sara Ahmed. Elenita Queiróz' Forschungs- schwerpunkt ist die Rolle der Frau, das Alltägliche, das Gewöhnliche – ihr Interesse liegt beson- ders im Moment der Transformation und Abstraktion durch choreografische Muster. Mittels eines eigens in Zusammenarbeit mit dem Musiker Severin Rusch entwickelten Systems für die organi- sierte Wiedergabe von Audioanweisungen, stellt Elenita Queiróz die Darstellenden vor eine her- ausfordernde Aufgabe. Sie performen zwischen Anweisungen und selbstbestimmten Handlungen. Mit den Tänzerinnen Charlotte Mathiessen, Léa Thommen, Mara Natterer und dem Musiker Severin Rusch lädt Elenita Queiróz das Publikum ein, eine beobachtende Rolle einzunehmen und eine tiefe Selbstreflexion zu erleben. Das Tanzstück feiert am 24. Oktober 2024 in der Lokremise in St.Gallen Premiere und wird anschliessend noch in weiteren ostschweizerischen Kulturinstitutionen gesamthaft sechsmal aufgeführt.

Nach einem ca. 25minütigen Showing aus dem aktuellen Probenprozess erhalten die Künstlerinnen und Künstler Feedback aus der Community.
Das Feedback folgt der DAS ARTS Feedback-Methode und stellt sich ganz in den Service der Produktion und der Künstlerinnen und Künstler.

Offen für Alle!
Anmeldung: info@derpool.ch

In ihrem neuen Tanzstück «The Fabulous Ones» erforscht die Tänzerin und Choreografin Elenita Queiróz die Unzulänglichkeit des menschlichen Körpers und die Suche nach Autonomie inmitten der Mittelmässigkeit. In der prozessorientierten Entwicklung des Stücks wurde Elenita Queiróz vom Leben und Schaffen des Künstlers Miroslav Tichý inspiriert oder Werken wie dem Manifest «Feministisch Leben» von Sara Ahmed. Elenita Queiróz' Forschungs- schwerpunkt ist die Rolle der Frau, das Alltägliche, das Gewöhnliche – ihr Interesse liegt beson- ders im Moment der Transformation und Abstraktion durch choreografische Muster. Mittels eines eigens in Zusammenarbeit mit dem Musiker Severin Rusch entwickelten Systems für die organi- sierte Wiedergabe von Audioanweisungen, stellt Elenita Queiróz die Darstellenden vor eine her- ausfordernde Aufgabe. Sie performen zwischen Anweisungen und selbstbestimmten Handlungen. Mit den Tänzerinnen Charlotte Mathiessen, Léa Thommen, Mara Natterer und dem Musiker Severin Rusch lädt Elenita Queiróz das Publikum ein, eine beobachtende Rolle einzunehmen und eine tiefe Selbstreflexion zu erleben. Das Tanzstück feiert am 24. Oktober 2024 in der Lokremise in St.Gallen Premiere und wird anschliessend noch in weiteren ostschweizerischen Kulturinstitutionen gesamthaft sechsmal aufgeführt.

Ein Körper. Mein Körper. Ein Raum. Handlungen in diesem Raum und in mir drin. Mein innerer Monolog, welcher die Notwendigkeit verspürt, sich zu artikulieren. Im Hier und Jetzt. Die kontinuierliche Suche nach mir selbst.
Meine autobiografische Solo-Arbeit An Act befasst sich mit Fragen nach Identität und Transformation. Darin erforsche ich meinen Körper als gleichzeitig konkret und fluide, gehe dem Gefühl von Besessenheit nach, zeige mich verletzlich und verspielt. Meine Handlungen führen zu einer performativen Dekonstruktion von festgelegten Kategorien. Eine konstante Suche. Unabgeschlossenheit. Mit An Act möchte ich ein Stück kreieren, welches einlädt, nicht(s) definieren möchte, und konfrontiert.
In meinem Kreationsprozess arbeite ich intuitiv, erforsche das Ausdruckspotenzial von Körper und Stimme. Innere Bilder und Erinnerungen inspirieren mich für die Erarbeitung von Charakteren/ Personas. Ich tauche ein in meine eigenen Fantasien und erprobe durch deren physische Umsetzung verschiedene Personas, ihre Geschichten und ihre Beziehung zur Aussenwelt. Dabei möchte ich die Grenzen eines weiten Spektrums erkunden. Ehrlich und fundiert.

Neil Höhener ist Tänzer und Choreograf aus Arbon (Thurgau). 2019 hat er einen Bachelor of Arts in zeitgenössischem Tanz an der Zürcher Hochschule der Künste Zürich absolviert. Als Tänzer engagiert war er national und international u.a. bei der Cie Marchepied, der Cie La Ronde und Club Guy and Roni, Poetic Disasters Club. Seine eigenen Kurzstücke wie das Solo White Room präsentierte er 2019 am Skopje Dance Fest und an der Eröffnung des Tanzhaus Zürich. Sein Solo take a seat wurde u.a. gezeigt am Internationalen Solo Tanz Theater Festival Stuttgart, InciDance Fribourg, Tanzfest Winterthur und am Solo Dance Festival Ankara. Sein Duo No Controles, das er gemeinsam mit Moira Lafosse entwickelt hat, wurde am Mixed Pickles # 12 im Roxy Birsfelden präsentiert und ist 2023/24 am Brücki 235 Festival, am Zürcher Theater Spektakel, dem Tanzfestival Winterthur und im Théâtre du Jura zu sehen. In seiner Arbeit interessiert Neil sich für die Themen Persönlichkeit, Identität und Absurdität.
2023/24 ist er Associated Artist vonTanzPlan Ost und entwickelt in diesem Rahmen sein autobiografisches Solo An Act (Arbeitstitel).

In ihrem neuen Tanzstück «The Fabulous Ones» erforscht die Tänzerin und Choreografin Elenita Queiróz die Unzulänglichkeit des menschlichen Körpers und die Suche nach Autonomie inmitten der Mittelmässigkeit. In der prozessorientierten Entwicklung des Stücks wurde Elenita Queiróz vom Leben und Schaffen des Künstlers Miroslav Tichý inspiriert oder Werken wie dem Manifest «Feministisch Leben» von Sara Ahmed. Elenita Queiróz' Forschungs- schwerpunkt ist die Rolle der Frau, das Alltägliche, das Gewöhnliche – ihr Interesse liegt beson- ders im Moment der Transformation und Abstraktion durch choreografische Muster. Mittels eines eigens in Zusammenarbeit mit dem Musiker Severin Rusch entwickelten Systems für die organi- sierte Wiedergabe von Audioanweisungen, stellt Elenita Queiróz die Darstellenden vor eine her- ausfordernde Aufgabe. Sie performen zwischen Anweisungen und selbstbestimmten Handlungen. Mit den Tänzerinnen Charlotte Mathiessen, Léa Thommen, Mara Natterer und dem Musiker Severin Rusch lädt Elenita Queiróz das Publikum ein, eine beobachtende Rolle einzunehmen und eine tiefe Selbstreflexion zu erleben. Das Tanzstück feiert am 24. Oktober 2024 in der Lokremise in St.Gallen Premiere und wird anschliessend noch in weiteren ostschweizerischen Kulturinstitutionen gesamthaft sechsmal aufgeführt.

Die Supervistas St.Gallen schauen sich grundsätzlich jeden Donnerstag fertige Theater-, Tanzstücke oder Performances an. Hin und wieder schauen sie aber auch hinter den Kulissen in Form von Führungen oder Probebesuchen noch etwas genauer hin. So auch beim neuen Tanzstück «The Fabulous Ones» der Tänzerin und Choreografin Elenita Queiróz
Dabei erhalten sie Einblicke ins Schaffen und Gedankengut der Gruppe und können Fragen stellen, wodurch ein anregender Austausch zwischen Tanzschaffende und jungem Publikum entsteht.

"NARA -Erzähl!" In diesem Titel steckt eine Aufforderung an das Publikum, ganz nach dem Motto «Shakespeare war gestern, erzähl uns DEINE Geschichte». An den Vorstellungen von «NARA» nämlich erzählen die Zuschauenden ihre eigenen, persönlichen, individuellen Geschichten, Erfahrungen, Erlebnisse. Diese fungieren als den Stoff für theatrale Szenen der Spieler:innen auf der Bühne. Ad Hoc, improvisiert, prozesshaft und auf gegenseitigen Impulsen basierend spielen sie die Geschichten zurück und setzen mittels Körperausdruck, sprachlicher Improvisation und Musik die Schilderungen der Zuschauenden um. Diese auf Interaktion basierende Spielform ist bekannt als «Playback Theater», welche in den 1970er Jahren entwickelt wurde. Playback Theater schätzt den Wert persönlicher Erfahrungen und versetzt Menschen in die Lage, ihr Leben in neuer Weise zu sehen. Banale Alltagserfahrungen können so plötzlich einen tieferen Sinn erhalten, das Zurückspielen ermöglicht neue Sichtweisen und Erkenntnisse.

Damit das Kulturhaus an der Oststrasse aufblühen kann und wir bald die baulichen Massnahmen umsetzen können, die einen Betrieb für bis zu 300 Personen ermöglichen, sind wir Unterstützung angewiesen. Ziel ist, dass wir in einer Zwischennutzung hier für 2 + x Jahre (bis die geplante Überbauung starten kann) ein Kulturhaus einrichten. Platz für 300 ZuschauerInnen, Probenbetrieb im Obergeschoss, Ateliers, Kostümfundus, Werkstätten, Büros. 
Es gibt Raum für KünstlerInnen, Proben von St.Galler Vereinen, Ensembles, Chören. 
Raum für Workshops, Vermittlungsprojekte, Quartiersentwicklung. 


GELD
Deine Unterstützung finanziert zunächst die baulichen Massnahmen, damit der Vollbetrieb baldmöglichst starten kann.
Wir freuen uns über Spenden auf unser Konto bei der Postfinance CH89 0900 0000 6121 0472 5

ZEIT
Du hast Lust, Teil der Community zu werden und mitzuhelfen, die Räume zu gestalten?
Wir suchen helfende Hände für Böden schrubben, Kisten packen, Bar bauen, Tribüne aufbauen, Licht- und Tontechnik installieren, Tanzteppich legen

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MATERIAL
Wir bauen alles von Grund auf und suchen dafür folgende Materialien: ein Rollgerüst, Holz für das Bauen einer Treppe im Eingangsbereich und für das Untergerüst für den Schallschutz, zwei breite 1, 20 m Türen, Tanzteppich 10x10 m /kann auch gebraucht sein, Dämmung Tanzteppich 10x10 m/kann auch gebraucht sein, eine gebrauchte Putzmaschine, ein IV-WC, Kühlschränke für die noch zu bauende Bar

"NARA -Erzähl!" In diesem Titel steckt eine Aufforderung an das Publikum, ganz nach dem Motto «Shakespeare war gestern, erzähl uns DEINE Geschichte». An den Vorstellungen von «NARA» nämlich erzählen die Zuschauenden ihre eigenen, persönlichen, individuellen Geschichten, Erfahrungen, Erlebnisse. Diese fungieren als den Stoff für theatrale Szenen der Spieler:innen auf der Bühne. Ad Hoc, improvisiert, prozesshaft und auf gegenseitigen Impulsen basierend spielen sie die Geschichten zurück und setzen mittels Körperausdruck, sprachlicher Improvisation und Musik die Schilderungen der Zuschauenden um. Diese auf Interaktion basierende Spielform ist bekannt als «Playback Theater», welche in den 1970er Jahren entwickelt wurde. Playback Theater schätzt den Wert persönlicher Erfahrungen und versetzt Menschen in die Lage, ihr Leben in neuer Weise zu sehen. Banale Alltagserfahrungen können so plötzlich einen tieferen Sinn erhalten, das Zurückspielen ermöglicht neue Sichtweisen und Erkenntnisse.

“Sometimes we have to speak to our hearts. Sometimes we need to feel what we are actually going through. Sometimes we have to sit in that pain. And feel what it means to be a human being. And feel what it means when we let eachother down. And when we watch each other suffer. We have to wake up and we have to do something. We have to be there for eachother.”

Diese Worte der Musikerin, Filmemacherin und Menschenrechtsaktivistin Deeyah Khan haben in uns Resonanz ausgelöst. Denn sie haben uns daran erinnert, wie wir als KünstlerInnen und Menschen aktiv und mitgestaltend agieren können angesichts der Last der Welt und der zahlreichen globalen Krisen, die uns sprach- und hilflos machen. Dann drohen wir, zu kapitulieren und uns ins Private zurückziehen. Aber auch vor dem privaten Raum machen die Krisen nicht Halt: die Anzahl der Menschen, die an Depressionen oder Angststörungen leiden steigt weltweit rasant an, häusliche Gewalt, Einsamkeit, Suizide – all das nimmt zu und wächst sich zum globalen Problem aus. Das Private wird politisch.

Mit SONGS ABOUT US möchten wir dem Auseinanderdriften, den verhärteten Fronten, dem Vereinzeln und der Hilflosigkeit eine künstlerische Position entgegensetzen. In der abendfüllenden Performance sehen und hören wir sechs professionelle Tänzerinnen, sieben Musikerinnen, 20 Menschen eines Bewegungschors auf der Bühne. Wir erleben ihre persönlichen Geschichten, ihre Sorgen und Ängste. Und ihren Wunsch nach Austausch, verstanden zu werden. Wir erleben die existentielle Suche nach Liebe und die Angst, daran zu scheitern und allein zu sein. Wir wollen so Nähe schaffen und das Publikum einladen, uns über das Private ins Politische zu folgen. Denn es geht uns nicht nur um die persönlichen Krisen, sondern um die grosse Frage: Wie und warum sollen wir weitermachen, wenn es wenig Hoffnung gibt?

Wir erforschen dazu den Mechanismus, der uns Menschen unbeweglich macht, wenn die Dimensionen der Herausforderungen zu allumfassend werden. 2015 haben wir mit «Wisdom of the crowd» das Verhalten in Gruppen künstlerisch thematisiert. Hier knüpfen wir an und entwickeln weiter: die Künstlerinnen, Künstler und Menschen auf der Bühne loten mit Körper und Stimme aus, wie es ist, allein zu sein, mit dem Strom zu schwimmen, unter vielen zu sein und sich dennoch einsam zu fühlen. Aber auch, wie es sich anfühlt, in der Gruppe eine Rolle zu spielen, wie Selbstwirksamkeit uns auch in Zeiten multipler und globaler Krisen handlungsfähig macht, welche Kraft darin steckt, Resonanz zu bekommen und Resonanz zu erzeugen.

"NARA -Erzähl!" In diesem Titel steckt eine Aufforderung an das Publikum, ganz nach dem Motto «Shakespeare war gestern, erzähl uns DEINE Geschichte». An den Vorstellungen von «NARA» nämlich erzählen die Zuschauenden ihre eigenen, persönlichen, individuellen Geschichten, Erfahrungen, Erlebnisse. Diese fungieren als den Stoff für theatrale Szenen der Spieler:innen auf der Bühne. Ad Hoc, improvisiert, prozesshaft und auf gegenseitigen Impulsen basierend spielen sie die Geschichten zurück und setzen mittels Körperausdruck, sprachlicher Improvisation und Musik die Schilderungen der Zuschauenden um. Diese auf Interaktion basierende Spielform ist bekannt als «Playback Theater», welche in den 1970er Jahren entwickelt wurde. Playback Theater schätzt den Wert persönlicher Erfahrungen und versetzt Menschen in die Lage, ihr Leben in neuer Weise zu sehen. Banale Alltagserfahrungen können so plötzlich einen tieferen Sinn erhalten, das Zurückspielen ermöglicht neue Sichtweisen und Erkenntnisse.

In der neuen Produktion des Panorama Dance Theaters spielt ein Chor eine zentrale Rolle. In diesem Workshop werden die Arbeit mit der Stimme mit Körperarbeit zusammengeführt, Bilder und Choreografien entwickelt und die Akustik des POOLs erkundet.

Das Vokalensemble Voci, rund 20 Sängerinnen und Sängern aus der Region, waren lange als experimenteller «Probechor» unterwegs, je nach Besetzung als Diecivoci oder Dodicivoci. In den letzten Jahren haben sich daraus Werkstattkonzerte entwickelt. Spezialität des Leitungsduos (Maria Walpen/Jürg Surber) und des Chors ist der klösterliche gregorianische Choral in Kombination mit mehrstimmiger Musik von Barock bis Gegenwart. Jetzt proben die Voci ein Programm unter dem Titel «Flow my tears».

Mutterschaft und Bühne - schliesst sich das aus? Warum macht man sich als Frau und Theaterschaffende so viele Gedanken über die Familiengründung? Und warum fällt es Frauen im Bereich der darstellenden Künste so schwer, öffentlich über Familie zu reden? Lassen es die strukturellen Gegebenheiten am Theater und als Freischaffende nicht zu, Familie und Beruf miteinander zu vereinen? Was sind die Herausforderungen, die Hürden, die man als Mutter innerlich und äußerlich zu meistern hat?

Wir sprechen mit vier Künstlerinnen, die mit der Vereinbarkeit von Familie und künstlerischer Arbeit sehr unterschiedlich umgegangen sind und an unterschiedlichen Stationen ihres Berufslebens stehen. Sie lassen teilhaben an ihren Erfahrungen als Mütter im Bühnenberuf und ihre Gefühlswelt.

In der neuen Produktion des Panorama Dance Theaters spielt ein Chor eine zentrale Rolle. In diesem Workshop werden die Arbeit mit der Stimme mit Körperarbeit zusammengeführt, Bilder und Choreografien entwickelt und die Akustik des POOLs erkundet.

Austausch über Themen, die uns als ADHS-Betroffene bewegen. Ob neu diagnostiziert oder erfahren.
Du kannst Dich jederzeit anmelden.

Email: adhs.ost@gmail.com

Das Vokalensemble Voci, rund 20 Sängerinnen und Sängern aus der Region, waren lange als experimenteller «Probechor» unterwegs, je nach Besetzung als Diecivoci oder Dodicivoci. In den letzten Jahren haben sich daraus Werkstattkonzerte entwickelt. Spezialität des Leitungsduos (Maria Walpen/Jürg Surber) und des Chors ist der klösterliche gregorianische Choral in Kombination mit mehrstimmiger Musik von Barock bis Gegenwart. Jetzt proben die Voci ein Programm unter dem Titel «Flow my tears».

Das Vokalensemble Voci, rund 20 Sängerinnen und Sängern aus der Region, waren lange als experimenteller «Probechor» unterwegs, je nach Besetzung als Diecivoci oder Dodicivoci. In den letzten Jahren haben sich daraus Werkstattkonzerte entwickelt. Spezialität des Leitungsduos (Maria Walpen/Jürg Surber) und des Chors ist der klösterliche gregorianische Choral in Kombination mit mehrstimmiger Musik von Barock bis Gegenwart. Jetzt proben die Voci ein Programm unter dem Titel «Flow my tears».

Die Saison 2024/25 ist und bleibt spannend. Wir haben die Räume in der Oststrasse 25 gefunden und bauen sie um zu einem Kulturhaus. Dazu braucht es eine starke Vision, viel Power und eine Community aus Menschen, die mit anpacken, die beim Crowdfunding unterstützen, SponsorInnen und allen anderen UnterstützerInnen.
Mit einem Neujahrsempfang bedanken wir uns bei einigen dieser UnterstützerInnen. Da wir noch keine Bewilligung für 300 Personen haben, müssen wir uns auf 50 Personen beschränken. Alle, die jetzt nicht reinpassen - wir wiederholen das bald und feiern die Feste, wie sie fallen.

Zusammen mit der Tänzerin und Choreografin Elenita Queiróz entdecken die Supervistas St.Gallen, wie aus einer Frage ein Textfragment und daraus eine Bewegung entstehen kann. Dadurch wird am eigenen Körper erfahren, wie ein Tanzstück entstehen kann und wie man ohne Sprache mit dem Körper etwas erzählt.
Die Supervistas besuchen jeden Donnerstagabend eine Inszenierung im Bereich Tanz, Theater, Performance und besprechend danach das Erlebte.
Besonders bei Tanzstücken sind diese Nachgespräche immer wieder herausfordernd, da nicht immer eine klare Geschichte erkannt wird und viel Interpretation nötig ist.

Das Kollektiv dance me to the end ist das erste professionelle Ensemble ü60 in der Schweiz und leistet wichtige Pionierarbeit für den Zeitgenössischen Tanz. Wir hinterfragen vorherrschende Körper- und Tanzkonzepte, und setzen uns ein für ein Empowerment für das Alter(n) im Tanz und der Gesellschaft. Gemeinsames und Verbindendes entwickeln wir kontinuierlich weiter und stärken gleichzeitig die Einzigartigkeit unserer individuellen Künstler:innen-Persönlichkeiten.

“Sometimes we have to speak to our hearts. Sometimes we need to feel what we are actually going through. Sometimes we have to sit in that pain. And feel what it means to be a human being. And feel what it means when we let eachother down. And when we watch each other suffer. We have to wake up and we have to do something. We have to be there for eachother.”

Diese Worte der Musikerin, Filmemacherin und Menschenrechtsaktivistin Deeyah Khan haben in uns Resonanz ausgelöst. Denn sie haben uns daran erinnert, wie wir als KünstlerInnen und Menschen aktiv und mitgestaltend agieren können angesichts der Last der Welt und der zahlreichen globalen Krisen, die uns sprach- und hilflos machen. Dann drohen wir, zu kapitulieren und uns ins Private zurückziehen. Aber auch vor dem privaten Raum machen die Krisen nicht Halt: die Anzahl der Menschen, die an Depressionen oder Angststörungen leiden steigt weltweit rasant an, häusliche Gewalt, Einsamkeit, Suizide – all das nimmt zu und wächst sich zum globalen Problem aus. Das Private wird politisch.

Mit SONGS ABOUT US möchten wir dem Auseinanderdriften, den verhärteten Fronten, dem Vereinzeln und der Hilflosigkeit eine künstlerische Position entgegensetzen. In der abendfüllenden Performance sehen und hören wir sechs professionelle Tänzerinnen, sieben Musikerinnen, 20 Menschen eines Bewegungschors auf der Bühne. Wir erleben ihre persönlichen Geschichten, ihre Sorgen und Ängste. Und ihren Wunsch nach Austausch, verstanden zu werden. Wir erleben die existentielle Suche nach Liebe und die Angst, daran zu scheitern und allein zu sein. Wir wollen so Nähe schaffen und das Publikum einladen, uns über das Private ins Politische zu folgen. Denn es geht uns nicht nur um die persönlichen Krisen, sondern um die grosse Frage: Wie und warum sollen wir weitermachen, wenn es wenig Hoffnung gibt?

Wir erforschen dazu den Mechanismus, der uns Menschen unbeweglich macht, wenn die Dimensionen der Herausforderungen zu allumfassend werden. 2015 haben wir mit «Wisdom of the crowd» das Verhalten in Gruppen künstlerisch thematisiert. Hier knüpfen wir an und entwickeln weiter: die Künstlerinnen, Künstler und Menschen auf der Bühne loten mit Körper und Stimme aus, wie es ist, allein zu sein, mit dem Strom zu schwimmen, unter vielen zu sein und sich dennoch einsam zu fühlen. Aber auch, wie es sich anfühlt, in der Gruppe eine Rolle zu spielen, wie Selbstwirksamkeit uns auch in Zeiten multipler und globaler Krisen handlungsfähig macht, welche Kraft darin steckt, Resonanz zu bekommen und Resonanz zu erzeugen.

Austausch über Themen, die uns als ADHS-Betroffene bewegen. Ob neu diagnostiziert oder erfahren.
Du kannst Dich jederzeit anmelden.

Email: adhs.ost@gmail.com

Aus dem Fonds werden Vorhaben aus den Bereichen Theater, Tanz, Performance, spartenübergreifende Projekte und Vermittlungs- und Beteiligungsformate von Künstler*innen und Ensembles, die nicht an eine Institution geknüpft sind, unterstützt. Dabei fokussiert der Fonds auf alle Prozesse der künstlerischen Arbeit und unterstützt Recherche und Entwicklung, Produktion, Diffusion und Verstetigung und Weiterbildung. PAF unterstützt Vorhaben, die qualitätsvoll sind, zeitgemässe Arbeitsbedingungen anbieten und die sich mit wichtigen Fragen unserer Zeit befassen, sei es inhaltlich oder in der konkreten Umsetzung.
Der Performing Arts Fund fördert die Künstlerinnen und Künstler, Ensembles und Initiativen nachhaltig. Er strebt aufeinanderfolgende Unterstützung in den verschiedenen Förderbereichen an und begleitet die ausgewählten Vorhaben mit Coaching und Beratung durch die Jurymitglieder und ausgewählte Expertinnen und Experten.
Auf Initiative und mit Mitteln der Ria & Arthur Dietschweiler Stiftung wurde der Fonds vom Verein gemischtes doppel konzipiert und wird von ihm verwaltet. Eine Jury, bestehend aus Expertinnen und Experten aus den Sparten Tanz, Theater, Performance und Vermittlung sichtet und diskutiert die Gesuche, entscheidet über die Unterstützung und kann den Ria & Arthur Dietschweiler Preis für besondere Verdienste in den Darstellenden Künsten vergeben.

Zusammen mit der Tänzerin und Tanz-Coach Stefanie Fischer tauchen die Supervistas St.Gallen in diesem Workshop in den Tanz in Theorie ab.
Was ist klassischer Tanz, was nicht? Welche Tanzformen gibt es generell? Wann geht es in Performance über? Mit solchen Fragen beschäftigen sich die Supervistas während ihren Nachgesprächen immer wieder. Stefanie Fischer bringt mehr Klarheit ins Dunkle.

“Sometimes we have to speak to our hearts. Sometimes we need to feel what we are actually going through. Sometimes we have to sit in that pain. And feel what it means to be a human being. And feel what it means when we let eachother down. And when we watch each other suffer. We have to wake up and we have to do something. We have to be there for eachother.”

Diese Worte der Musikerin, Filmemacherin und Menschenrechtsaktivistin Deeyah Khan haben in uns Resonanz ausgelöst. Denn sie haben uns daran erinnert, wie wir als KünstlerInnen und Menschen aktiv und mitgestaltend agieren können angesichts der Last der Welt und der zahlreichen globalen Krisen, die uns sprach- und hilflos machen. Dann drohen wir, zu kapitulieren und uns ins Private zurückziehen. Aber auch vor dem privaten Raum machen die Krisen nicht Halt: die Anzahl der Menschen, die an Depressionen oder Angststörungen leiden steigt weltweit rasant an, häusliche Gewalt, Einsamkeit, Suizide – all das nimmt zu und wächst sich zum globalen Problem aus. Das Private wird politisch.

Mit SONGS ABOUT US möchten wir dem Auseinanderdriften, den verhärteten Fronten, dem Vereinzeln und der Hilflosigkeit eine künstlerische Position entgegensetzen. In der abendfüllenden Performance sehen und hören wir sechs professionelle Tänzerinnen, sieben Musikerinnen, 20 Menschen eines Bewegungschors auf der Bühne. Wir erleben ihre persönlichen Geschichten, ihre Sorgen und Ängste. Und ihren Wunsch nach Austausch, verstanden zu werden. Wir erleben die existentielle Suche nach Liebe und die Angst, daran zu scheitern und allein zu sein. Wir wollen so Nähe schaffen und das Publikum einladen, uns über das Private ins Politische zu folgen. Denn es geht uns nicht nur um die persönlichen Krisen, sondern um die grosse Frage: Wie und warum sollen wir weitermachen, wenn es wenig Hoffnung gibt?

Wir erforschen dazu den Mechanismus, der uns Menschen unbeweglich macht, wenn die Dimensionen der Herausforderungen zu allumfassend werden. 2015 haben wir mit «Wisdom of the crowd» das Verhalten in Gruppen künstlerisch thematisiert. Hier knüpfen wir an und entwickeln weiter: die Künstlerinnen, Künstler und Menschen auf der Bühne loten mit Körper und Stimme aus, wie es ist, allein zu sein, mit dem Strom zu schwimmen, unter vielen zu sein und sich dennoch einsam zu fühlen. Aber auch, wie es sich anfühlt, in der Gruppe eine Rolle zu spielen, wie Selbstwirksamkeit uns auch in Zeiten multipler und globaler Krisen handlungsfähig macht, welche Kraft darin steckt, Resonanz zu bekommen und Resonanz zu erzeugen.

Wie kann die Weltordnung, so wie sie ist, mit ihren Einbahnstrassen und Durchfahrverboten, durch Zuwiderhandlungen, Subversionen, Verrücktheiten oder Verwandlungen aus den Fugen gehoben werden?
Dieser Frage geht die Compagnie «Rohstoff» in ihrer zweiten Produktion nach. Ausgangspunkt des Stücks ORLANDO (AT) ist der Roman von Virginia Woolf. Sie erzählt darin das Leben Orlandos, der als Junge zur Welt kommt und als Frau Karriere macht. Ein Schlüsseltext über die subversive Hoffnung, die eigene Biografie selbst schreiben und umschreiben zu können.
Mit ihrem zweiten Stück setzt die Compagnie Rohstoff ihre Suche nach einer Sprache fort, die innovatives Puppentheater mit Videoprojektionen verknüpft.

"NARA -Erzähl!" In diesem Titel steckt eine Aufforderung an das Publikum, ganz nach dem Motto «Shakespeare war gestern, erzähl uns DEINE Geschichte». An den Vorstellungen von «NARA» nämlich erzählen die Zuschauenden ihre eigenen, persönlichen, individuellen Geschichten, Erfahrungen, Erlebnisse. Diese fungieren als den Stoff für theatrale Szenen der Spieler:innen auf der Bühne. Ad Hoc, improvisiert, prozesshaft und auf gegenseitigen Impulsen basierend spielen sie die Geschichten zurück und setzen mittels Körperausdruck, sprachlicher Improvisation und Musik die Schilderungen der Zuschauenden um. Diese auf Interaktion basierende Spielform ist bekannt als «Playback Theater», welche in den 1970er Jahren entwickelt wurde. Playback Theater schätzt den Wert persönlicher Erfahrungen und versetzt Menschen in die Lage, ihr Leben in neuer Weise zu sehen. Banale Alltagserfahrungen können so plötzlich einen tieferen Sinn erhalten, das Zurückspielen ermöglicht neue Sichtweisen und Erkenntnisse.

Lay Next To Me ist ein fortlaufendes künstlerisches Projekt, das in Form einer Live-Tanzaufführung die Themen des Alterns und des Vergehens der Zeit erforscht. Durch die sich entwickelnde Figur Ruth regt das Werk dazu an, darüber nachzudenken, wie das Bewusstsein für unsere Endlichkeit die Art und Weise beeinflussen könnte, wie wir in der Gegenwart leben.
Der Schmerz und die Einsamkeit, die Ruth empfindet, resultieren aus der Last unnötiger Bürden, der Illusion von Selbstverwirklichung und Erfolg, dem ständigen Drang, produktiv zu sein, an der Spitze zu stehen und der Zwangsvorstellung, keine Zeit zu verlieren.
Ihre Unfähigkeit, mit diesem Schmerz umzugehen, führt sie zu der Erkenntnis, dass es so etwas wie verlorene Zeit nicht gibt, und dass der ständige Kampf, diese aufzuhalten oder zu verlangsamen, vergeblich ist. Warum müssen wir unbedingt an einen Punkt gelangen, an dem wir gezwungen sind, innezuhalten, um zu verstehen, wie sinnlos es ist, der Zeit nachzujagen? Wie können wir den gegenwärtigen Moment wertschätzen, um nicht nur in Erinnerungen an ein ungelebt gebliebenes Leben zu verweilen, sondern vielmehr bewusst für das zu leben, was der Moment von uns verlangt? Können wir die Schönheit einer verwelkenden Blume schätzen und ihr natürliches Ende akzeptieren?

The Beast ist ein nicht-fiktionales Solotanzstück, das die Komplexität der Mutterschaft in ihren psychologischen, emotionalen und physischen Dimensionen erkundet. Es lehnt romantisierende Darstellungen ab und konfrontiert die unsichtbaren Opfer von Trauer, Angst und Selbstverlust, während es universelle Erfahrungen der Transformation reflektiert.

Als letztes Kapitel einer Trilogie, die auch Warning for Contemplation Sections (2022) und The Fabulous Ones (2024) umfasst, stellt es den Höhepunkt jahrelanger künstlerischer Forschung dar. Uraufgeführt wird es im August 2025 beim PAULA Interfestival in St.Gallen.

Das Projekt schafft eine Plattform für unterdrückte Stimmen und bereichert den zeitgenössischen Diskurs, indem es einen Aufruf zur Umarmung von Verletzlichkeit und Stärke formuliert. Neben der Aufführung werden Workshops für Mütter und Grossmütter sowie Kinderbetreuung während des Workshops und einer Vorstellung angeboten.

"NARA -Erzähl!" In diesem Titel steckt eine Aufforderung an das Publikum, ganz nach dem Motto «Shakespeare war gestern, erzähl uns DEINE Geschichte». An den Vorstellungen von «NARA» nämlich erzählen die Zuschauenden ihre eigenen, persönlichen, individuellen Geschichten, Erfahrungen, Erlebnisse. Diese fungieren als den Stoff für theatrale Szenen der Spieler:innen auf der Bühne. Ad Hoc, improvisiert, prozesshaft und auf gegenseitigen Impulsen basierend spielen sie die Geschichten zurück und setzen mittels Körperausdruck, sprachlicher Improvisation und Musik die Schilderungen der Zuschauenden um. Diese auf Interaktion basierende Spielform ist bekannt als «Playback Theater», welche in den 1970er Jahren entwickelt wurde. Playback Theater schätzt den Wert persönlicher Erfahrungen und versetzt Menschen in die Lage, ihr Leben in neuer Weise zu sehen. Banale Alltagserfahrungen können so plötzlich einen tieferen Sinn erhalten, das Zurückspielen ermöglicht neue Sichtweisen und Erkenntnisse.

Ein Stück für zwei Tänzer, das eine sensible Suche und Übersetzung rund um die Beziehung zum anderen in der Konstruktion der eigenen Identität entfaltet.

Die diesjährige igKultur Ost HV findet im POOL – Raum für Kultur , Oststrasse 25 9000 St.Gallen, statt.

Ablauf:
· ab 18.00 Uhr: Ankommen und Netzwerken
· 18.30 Uhr: Hauptversammlung Verein igKultur Ost
· 20.30 Uhr: Apéro

Du willst auch mit dabei sein? Dann melde Dich gerne bis zum 2. Mai 2024 via info@ig-kultur-ost.chan.

Sieben Performer:innen stehen an der Startlinie. Hochfokussiert. Der DJ, unsere Spielleitung, hat die ganze Situation im Griff und ist startklar. Die athletisch-gekleideten Performer:innen werfen einander harte Blicke zu. Ihre Muskeln sind warm und angespannt. Sie haben lange und kräftig auf diesen Moment hingearbeitet. Sie sind sich klar, dass sie es alle schaffen können, nur wird sich heute herausstellen, wer mit den grössten Schritten über die Zielgerade schreitet. Auch wenn für die Zuschauenden nicht klar ist, nach welchen Spielregeln gespielt wird, warten sie gebannt auf den Startschluss. Der DJ gibt mit einem „Scratch“-artigen Countdown an, dass es bald losgeht. Die Performer:innen halten sich mit individuellen, repetitiven Bewegungen den Körper warm. Ihre Bewegungen sind schnell und stammen ursprünglich aus den Street Styles. Diese Loops fesseln die Aufmerksamkeit des Publikums und lassen den Moment ewig erscheinen.
Und plötzlich fällt der Startschuss, der Beat droppt. John Coltrane‘s ikonischer Song GIANT STEPS erklingt aus den Boxen und entgegen aller Erwartung fallen die Performer:innen in eine Slowmotion-Szene, die sie von der Startlinie wegbewegt. Nun folgen verschiedene Spiele und Wettrennen, wo die Performenden sich messen - manchmal alleine gegen die ganze Gruppe, manchmal im Duo, manchmal unterstützen sie sich gegenseitig, um voranzukommen, manchmal halten sie sich davon ab. Unterschiedliche Personen gelangen so im Verlauf des Stücks an die Spitze und leiten die Gruppe an. Leitsätze wie „Keep your head up“, „Keep your head in the game“ formen die Gruppendynamik unter den Performer:innen. Das Publikum begleitet gespannt das Geschehen auf der Bühne und teilt Emotionen
wie Freude, Enttäuschung, Mitleid, Ehrgeiz und Leidenschaft. Durch das hautnahe Erlebnis wird das Publikum Zeuge einer Gruppe, die nicht zurückscheut, einen grossen Schritt zu wagen, Initiative zu ergreifen und sieht zu, wie sie dadurch über sich selbst hinauswachsen kann. Am Ende des Stücks ist das Publikum wie elektrisiert und motiviert, sich auch wieder einmal grosse Ziele zu setzen und zu träumen, ohne sich vom Zweifeln von der Zielgeraden abbringen zu lassen.

remi demi (est. 2023) ist ein junges, pulsierendes Kollektiv von Tänzer:innen und Musiker:innen, das die Tanzszene aufmischen will. Der Name remi demi steht für Lärm machen, ausgelassene Heiterkeit, Aufräumen und das entschlossene Einstehen für das, was uns am Herzen liegt. Unsere Mission? Tanz in seiner ganzen Vielfalt zu präsentieren: In unserer Kompanie vereinen sich Tänzer:innen aus unterschiedlichsten Bereichen – von Hip Hop und Streetdance bis hin zu zeitgenössischen Techniken.

Diese Mischung bildet die Grundlage unserer Tanzsprache und deshalb sind wir uns unserer Verantwortung bewusst, Streetdance auf der Theaterbühne authentisch zu präsentieren und zu repräsentieren. Während der Tanz im Mittelpunkt steht, integrieren wir Expert:innen aus verschiedenen Bereichen, um sicherzustellen, dass jede Expertise voll zur Geltung kommt. Diese Verschmelzung lässt neue, innovative Ideen entstehen und verleiht unserem künstlerischen Schaffen Tiefe. Mit Leidenschaft und Hingabe setzen wir unsere Werte in die Tat um und lassen so die Tanzszene aufleben.

Ein nicht-fiktionales Solotanzstück von Elenita Queiróz
Ein Tanz, der sich weigert, zu schweigen. The Beast erkundet die Komplexität der Mutterschaft in ihren psychologischen, emotionalen und physischen Dimensionen. Es lehnt romantisierende Darstellungen ab und konfrontiert mit den unsichtbaren Opfern von Trauer, Angst und Selbstverlust, während es universelle Erfahrungen der Transformation reflektiert. The Beast ist das letzte Kapitel einer Trilogie, die auch Warning for Contemplation Sections (2022) und The Fabulous Ones (2024) umfasst. Uraufgeführt wird es im August 2025 beim PAULA Interfestival in St.Gallen. Das Projekt schafft eine Plattform für unterdrückte Stimmen und bereichert den zeitgenössischen Diskurs, indem es einen Aufruf zur Akzeptanz von Verletzlichkeit und Stärke formuliert.
Es ist nicht nur ein Stück, sondern ein Statement.

Aufführungsdaten:
Samstag, 16. August 2025, 21.00 Uhr
Sonntag, 17. August 2025, 20.00 Uhr
Grabenhalle, St. Gallen

Dauer: 50 Minuten

Die Ausserrhodische Kulturstiftung fördert Künstlerinnen und Künstler aus und mit Bezug zum Kanton. Wir vergeben jährlich Werkbeiträge und Artist in Residence-Stipendien und ermöglichen auf diese Weise künstlerisches Schaffen und Entwicklung ohne Zeit- und Produktionsdruck.

Wir kommunizieren und veranstalten und schaffen so Sichtbarkeit für die Künstlerinnen und Künstler und die Kultur im Kanton Appenzell Ausserrhoden.

Wir bauen ein Netzwerk auf und pflegen dieses, damit sich Künstlerinnen und Künstler, Bürgerinnen und Bürger, Politikerinnen und Politiker und Partnerinnen und Partner begegnen und austauschen können.

Gemeinsam mit Caroline Finn als Mentorin möchte Nadika Mohn ihre Bewegungssprache vertiefen, erweitern und so weiterentwickeln, dass sie sich vermitteln und mit einem breiteren Publikum teilen lässt. Ihr Ziel ist es, ein persönliches Bewegungsvokabular zu formen, das ihre künstlerische Handschrift stärkt und in zukünftige Projekte einfliessen kann.

Caroline Finn begleitet Nadika Mohn als „Outside Eye“ bei der Entwicklung ihres Kurzstücks like me, das sich mit Selbstinszenierung und weiblicher Identität im digitalen Raum auseinandersetzt. Mithilfe Carolines Erfahrung als Choreografin und Mentorin werden kreative Prozesse und Arbeitsweisen erforscht, die Nadika helfen, ihren Ideen näherzukommen und neue Zugänge für das Stück zu eröffnen.

Tief in diesen künstlerischen Prozess eingebunden sind auch Priska Brügger, die das Kostümbild gestaltet, und Luca-Benjamin Brügger, der die Komposition verantwortet. Ihre gestalterischen und musikalischen Perspektiven prägen das Stück wesentlich und erweitern die choreografische Arbeit inhaltlich wie atmosphärisch.

Wo und in welchem Rahmen like me gezeigt werden kann, ist Teil dieses offenen künstlerischen Prozesses.
Wir freuen uns sehr auf den intensiven und inspirierenden Austausch.

Projekt «Hör ich, was du siehst? – Treibgut».
Wege zu inklusivem Musiktheater von und mit gehörlosen und hörenden Menschen
Im Rahmen Ihres Förderbeitrags an Kulturschaffende des Kantons Thurgau beforscht die Regisseurin Barbara
Tacchini die Möglichkeiten eines ästhetischen Universums, in dessen Zentrum die Gebärdensprache steht.
Im Austausch mit nicht hörenden und hörenden Künstlerinnen verschiedener Sparten werden über ein Jahr hinweg an einzelnen Workshoptagen neue Ausdrucksformen gesucht und die Sinne für poetische Zwischenräume und ein anderes Verstehen geschärft.

Ein Workshop für Mütter, Grossmütter und die ungezähmte Weisheit, die sie in sich tragen
Lasst uns zusammenkommen - um uns zu bewegen, zu brüllen, zu fordern.
In einer Gesellschaft, in der Fürsorgearbeit oft übersehen wird, bietet Wild Motion Müttern und Grossmüttern einen ermutigenden und sicheren Raum, in dem sie sich wieder mit ihrer inneren Kraft, ihren Geschichten und ihrer Stimme verbinden können. Durch Geschichtenerzählen und lebendige Bewegungs- und Stimmübungen lädt dieser Workshop die Teilnehmerinnen ein, inneren Druck loszulassen, persönliche Erzählungen umzuschreiben und die wilde, komplexe Wahrheit der Mutterschaft zu feiern. Dies ist ein Raum, der frei von Urteilen ist und in dem Kreativität zu einem Werkzeug für Heilung, Gemeinschaft und Selbstbestimmung wird.

Der PAF – Performing Arts Fund unterstützt Vorhaben der freien darstellenden Künste in der Ostschweiz mit Bezug zu den Kantonen St.Gallen, beider Appenzell, Thurgau und Graubünden.

Aus dem Fonds werden Vorhaben aus den Bereichen Theater, Tanz, Performance, spartenübergreifende Projekte und Vermittlungs- und Beteiligungsformate von Künstler*innen und Ensembles, die nicht an eine Institution geknüpft sind, unterstützt. Dabei fokussiert der Fonds auf alle Prozesse der künstlerischen Arbeit und unterstützt Recherche und Entwicklung, Produktion, Diffusion und Verstetigung und Weiterbildung. PAF unterstützt Vorhaben, die qualitätsvoll sind, zeitgemässe Arbeitsbedingungen anbieten und die sich mit wichtigen Fragen unserer Zeit befassen, sei es inhaltlich oder in der konkreten Umsetzung.

Der Performing Arts Fund fördert die Künstlerinnen und Künstler, Ensembles und Initiativen nachhaltig. Er strebt aufeinanderfolgende Unterstützung in den verschiedenen Förderbereichen an und begleitet die ausgewählten Vorhaben mit Coaching und Beratung durch die Jurymitglieder und ausgewählte Expertinnen und Experten.
Auf Initiative und mit Mitteln der Ria & Arthur Dietschweiler Stiftung wurde der Fonds vom Verein gemischtes doppel konzipiert und wird von ihm verwaltet. Eine Jury, bestehend aus Expertinnen und Experten aus den Sparten Tanz, Theater, Performance und Vermittlung sichtet und diskutiert die Gesuche, entscheidet über die Unterstützung und kann den Ria & Arthur Dietschweiler Preis für besondere Verdienste in den Darstellenden Künsten vergeben.

Der Freizeittreff «Lodi goo» ist eine Begegnungsmöglichkeit für erwachsene Menschen mit und ohne Behinderungen im Raum St. Gallen.
Seit August 2006 bieten wir den Freizeittreff «Lodi goo» 10 Mal jährlich an. Es gibt Essen und Getränke zu Selbstkostenpreisen, Disco, Volksmusik, Konzerte, Aufführungen von Gesangsgruppen, Grillfeste etc.. Es kommen regelmässig Besucherinnen aus verschiedensten Institutionen und auch viele Privatpersonen.
Wir sind ein gut eingespieltes Team von bis zu 24 aktiven Mitarbeiterinnen und Mitarbeitern. Der Treff wird von einer Betriebsgruppe der Technikgruppe und dem Vorstand geführt, welche sich aus Menschen mit und ohne Behinderungen zusammensetzt.
An den Betriebsgruppensitzungen und Technikgruppensitzungen welche ca. alle zwei Monate stattfinden, wird der Ablauf des Treffs und die Verantwortlichkeiten des Anlasses geplant und verteilt. Der Vorstand des Vereins koordiniert das Ganze im Hintergrund mit drei Sitzungen pro Jahr. Alle Mitarbeiterinnen und Mitarbeiter der Betriebsgruppe und des Vorstandes arbeiten auf freiwilliger Basis.
Am Treff herrscht immer eine sehr ausgelassene Stimmung. Es finden viele Begegnungen statt und neue Kontakte werden geknüpft. Die Besucherzahl des Treffs wächst stetig an, so dass wir in die Jugendbeiz talhof gezügelt sind. In dieser Lokalität ist vor allem mehr Platz dazu für die inzwischen bis 120 Essensreservationen und wir haben mehr Platz zum Tanzen.

DAS «LODI GOO»-TEAM
Andreas, Anette, Bea, Carmen, Christina, Christine, Claudia, Daniel, Donato, Manuela, Markus, Martin, Natascha, Peter, Rebecca, Ruth, Susanne, Toni, Willi

Wie kann die Weltordnung, so wie sie ist, mit ihren Einbahnstrassen und Durchfahrverboten, durch Zuwiderhandlungen, Subversionen, Verrücktheiten oder Verwandlungen aus den Fugen gehoben werden?
Dieser Frage geht die Compagnie «Rohstoff» in ihrer zweiten Produktion nach. Ausgangspunkt des Stücks ORLANDO (AT) ist der Roman von Virginia Woolf. Sie erzählt darin das Leben Orlandos, der als Junge zur Welt kommt und als Frau Karriere macht. Ein Schlüsseltext über die subversive Hoffnung, die eigene Biografie selbst schreiben und umschreiben zu können.
Mit ihrem zweiten Stück setzt die Compagnie Rohstoff ihre Suche nach einer Sprache fort, die innovatives Puppentheater mit Videoprojektionen verknüpft.

NO WORK – NO LIFE. Für viele Realität, für andere unvorstellbar. Im Schnitt verbringen wir einen Viertel unserer Lebenszeit auf der Arbeit. Dies wirft verschiedene Fragen auf: Gibt Arbeit dem Leben einen Sinn? Was ist das Verhältnis zum kreativen Schaffen? Welcher Arbeit wird im kapitalistischen System automatisch Wert zugesprochen – und welcher nicht? Und welche Rolle spielt Arbeit im Prozess des Erwachsenwerdens?

Diesen Fragen widmen sich Momoko Berthold und Nina Schweizer in ihrer Duo-Ausstellung NO WORK – NO LIFE. Die Ausstellung nimmt Arbeit als Ausgangspunkt für eine erweiterte Auseinandersetzung mit dem Erwachsenwerden. In der Reflexion mit dem eigenen Aufwachsen finden auch Kindheitserinnerungen, Spiele und Fantasie ihren Platz. So ergibt sich eine thematische Zweiteilung, in welcher sich Ernsthaftigkeit und Unbeschwertheit, Realität und Emotionalität abwechseln.

NO WORK – NO LIFE findet in ehemaligen Büroräumen im Pool an der Oststrasse 25 in St.Gallen statt.

Kaffee gehört für viele fest zum Arbeitsalltag. Wir widmen uns in der Ausstellung aber den langsameren Zubereitungsmethoden: Es gibt Vietnamesischen Eiskaffee, Drip Coffee und Cold Brews, zusammen mit hausgemachtem Süssem. Genuss garantiert!

Japanische Büroangestellte nehmen zum Mittagessen oft ein «Bentō» mit:eine kleine, schön angerichtete Box mit Reis und verschiedenen Speisen. Bei uns kriegst du ein einmalig für «NO WORK – NO LIFE» kreiertes, hausgemachtes, vegetarisches Bentō!

In der Ausstellung NO WORK - NO LIFE wird gebastelt! Mit Buntpapier, Stiften und vielem mehr collagieren wir kleine Kunstwerke, die ihr im Anschluss nach Hause nehmen dürft. Mit Zvieri und Getränken.

Passend zur Ausstellung NO WORK - NO LIFE zeigen wir den Film «Perfect Days» von Wim Wenders. In cozy Atmosphäre mit Snacks im POOL!

Bring-Brunch!

Die Kulturkosmonauten gestalten mit der bildenden Künstlerin Rahel Flückiger und dem OFFCUT St.Gallen Tischkarten und danach ein transkulturelles Buffet. Werde Teil der kreativen Tafel!

Ressourcen teilen und nachhaltig nutzen: Das ist die Idee des Fundus für die Theater- und Tanzszene, der im POOL - Raum für Kultur aufgebaut wird. Kleider aller Art beginnen ein zweites Leben – als Kostüm!

Wir machen Druck
Der Printclub St.Gallen druckt auf T-Shirts und Textilien aller Art die Logos der Institutionen, die sich für die freie Szene stark machen: Paula Interfestival, POOL - Haus für Kultur und Verein DAS HAUS.

Was lässt sich wie verwerten, umverteilen, schenken, ausschütten? Wie geht Verschwendung – nicht als Raubbau an Ressourcen, sondern als Praxis der Grosszügigkeit? Wer ist wem was schuldig? Zum Thema Umverteilen hat der Kunstschaffende Martin Schick bereits vor 15 Jahren Performances (CMMN SNS PRJCT) entwickelt und weltweit aufgeführt. Am Festival wird er auf einzelne performative Momente der Halfbreadtechnique zurückgreifen, und sie für die heutige Zeit und den lokalen Kontext relevant machen. Ein Stichwort ist die «schamfreie Verschuldung» - nicht nur in Politik und Wirtschaft, sondern auch in der Kunst. Zusammen mit dem Publikum und eingeladenen Gästen entwickelt Martin Schick einen Abend zum Geben und Nehmen, Verschwenden und Umverteilen. Und geht Fragen von Schuldigkeit, Scham und dem irrlichternden Charakter des Geldes spielerisch auf den Grund.

Ab diesem Herbst tourt das Projekt durch verschiedene Schweizer Städte und bringt vier praktische PAM-Tools direkt zu den Akteur:innen. Diese Tools – Personal Rider, Production Compass (ab Winter 2025), Coproduction Meeting Protocol und das Distribution Handbook – sind in Zusammenarbeit mit Schweizer Kolleg:innen aus Workshops und PAM-Residenzen von Reso entstanden.
Sie dienen als Hilfsmittel, um unsere Arbeit in und mit «freien» Produktionen zu strukturieren, Zuständigkeiten abzusprechen und Prozesse besser zu gestalten.

Das Treffen richtet sich an alle, die in der freien Szene Produktionen realisieren, begleiten, initiieren und ermöglichen: Produzent:innen, selbstständige Companies und Akteur:innen, Produktionsleitungen, Agent:innen oder Mitarbeitende von unabhängigen Produktionsbüros und Agenturen.

In der ersten Hälfte stellen wir euch die PAM-Tools vor, in der zweiten öffnen wir den Raum für einen offenen Austausch: Wir sprechen über unsere Arbeitsrealitäten, tauschen Erfahrungen aus und vernetzen uns.

Gleichzeitig lernt ihr den POOL als spannenden Ort für Tanz- und Theaterprojekte kennen. POOL bietet Raum für Proben, Showings und hoffentlich bald auch Aufführungen.

Dieser Workshop lädt erfahrene Tänzer, Zirkusartisten und Akrobaten dazu ein, das Partnering mit Gegengewicht zu erforschen. Unter der Leitung von zwei Künstlerinnen von People Watching lernen die Teilnehmer grundlegende Techniken, Methoden zur Gewichtsverlagerung und kreative Werkzeuge kennen, um neue Berührungspunkte mit einem Partner zu entdecken. Der Schwerpunkt liegt auf der Entwicklung einer gemeinsamen Körpersprache, die die Freiheit und die Möglichkeiten im Kontakt-Tanz und in der gemeinsamen Bewegung erweitert.